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Megadeth - Countdown to extintion (1992)

2008-07-13T08:38:00.000-07:00

Megadeth es una banda estadounidense de thrash metal liderada por su fundador y principal compositor, Dave Mustaine. Es una de las principales bandas del heavy metal, ha figurado varias veces en el Top 10 de las listas del Billboard, y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo. Fue creada en 1983, después de que Mustaine fuera expulsado de Metallica, donde era guitarrista. Desde entonces, la banda ha lanzado diez álbumes de estudio, tres EP's y dos álbumes en vivo.

Megadeth llegó a ser reconocida internacionalmente en la década de 1980 como una de las pioneras del movimiento thrash metal estadounidense, pero estuvo condenada a cambios constantes en la formación principal, en parte a causa del abuso de sustancias por parte de Dave Mustaine. Después de recuperar la sobriedad y encontrar una formación estable tras haber ingresado en una clínica a causa de dichos problemas, Megadeth empieza a lanzar una cadena de álbumes platino y álbumes de oro, incluido el álbum multi-platino y nominado al Grammy, Countdown to Extinction, en 1992. Megadeth se disolvió en el 2002 después de que Mustaine sufriese una grave lesión nerviosa en su brazo izquierdo, pero después de una intensa terapia física, el guitarrista reformó la banda en 2004 y Megadeth lanzó el álbum The System Has Failed.

Megadeth es conocida por su distintivo estilo en las guitarras, la forma peculiar de cantar de Mustaine, y los temas de sus letras, a menudo recurrentes, sobre política, guerra, y, más recientemente, relaciones sentimentales. Dos vídeos musicales de la banda han sido censurados en el canal de música MTV debido a supuestos temas a favor del suicidio.

Megadeth es una de las bandas de heavy metal más comerciales de la historia, pues ha vendido más de 20 millones de álbumes en todo el mundo, incluyendo cinco álbumes de platino consecutivos y siete nominaciones consecutivas al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Metal. A través de sus 25 años en activo, Megadeth ha tenido 18 miembros oficiales, siendo Mustaine el único miembro permanente y el principal compositor. Megadeth es comúnmente mencionada como miembro de los cuatro grandes del thrash metal (Big Four of Thrash), junto con Anthrax, Metallica y Slayer

Countdown to Extinction, en 1992. El trabajo resultó ser un éxito instantáneo en Estados Unidos, convirtiéndose en el álbum más vendido de la formación al alcanzar el doble disco de platino. Countdown to Extinction se ganó una nominación en la categoría de Mejor Interpretación de Metal en los Grammy de 1993.

Andres Calamaro - Alta Suciedad (1997)

2008-07-10T18:57:00.000-07:00

Andrés Calamaro (22/08/61) aprendió a tocar el bandoneón a los 8 años y a los 17 ya tocaba los teclados en el grupo de candombe-rock Raíces, con quienes debutó discográficamente. Tras un fugaz paso por la Elmer Band, se incorporó a Los Abuelos de la Nada, la agrupación de Miguel Abuelo que grabó cinco discos entre 1982 y 1986. Compuso dos de los hits más destacados de la banda: "Mil horas" y "Sin gamulán".

Paralelamente a sus actividades "oficiales", Calamaro integró infinidad de grupos, siempre en calidad de invitado. Participó en La Ray Milliand Band (con Pipo «Látex» Cipolatti, Daniel Melingo, Miguel Zavalata, Hilda Lizarazu y Fabián Von Quintiero), Los Zodíaco y Comida China (con Rafael Bini, Tom Lupo, Chiche Alberti, Willy Crook, Fabián Von Quintiero, Miguel Zabaleta, Hilda Lizarazu, Fabiana Cantilo y Rinaldo Raffanelli).

En 1984 hizo su debut solista, con "Hotel Calamaro". La producción de algunos temas estuvo a cargo de Charly García y Fito Páez participó de algunas sesiones, ya que estaba grabando su LP "Del '63" en el mismo estudio. Duramente criticado por la prensa, este disco fue casi ignorado por el público. Sin embargo, con el tiempo, sobrevivieron "Fabio Zerpa tiene razón" y "Otro amor en Avellaneda".

En 1985 integró Las Ligas, la banda que acompañaba a Charly García y registró "Vida cruel", con Fernando Samalea (batería) , Richard Coleman y Gringui Herrera (guitarras), Fabián Von Quintiero (teclados) y el Flaco Spinetta como invitado. Su tercer disco solista, "Por mirarte" (1987) no tuvo demasiada repercusión, aunque se destacan el tema homónimo y el cover de "Johnny B. Goode", el clásico rock and roll de Chuck Berry.

Mismo destino sufrió el cuarto álbum, "Nadie sale vivo de aquí" (1989), pese a la buena crítica de los medios. Ya por entonces tenía una banda estable: Ariel Rot (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), El Alemán Schanzenbach (bajo), Ricardo González (batería) y Jordi Polanuer (saxo). Previamente había trabajado en la producción de los discos de Don Cornelio y la Zona, Los Enanitos Verdes y Los Fabulosos Cadillacs.

En septiembre de 1991 emigró a España, en donde fundó la banda Los Rodríguez, junto a Ariel Rot, Julián Infante y Germán Vilella. Con este grupo hispanoargentino grabó cuatro placas y consiguió mayor éxito con "Sin Documentos" (1993).

Paralelamente, continuó con su carrera solista: "Grabaciones encontradas" ("Volumen 1" en 1993 y "Volumen 2" en el '94), presentadas en The Roxy junto a Gringui Herrera y Willy Crook, más los invitados especiales: su hermano Javier, Charly García, Mariano Mores. En esta placa se incluye uno de los hits más importantes del verano '94: "No se puede vivir del amor".

En 1995 compuso la banda de sonido de dos películas nacionales: "Caballos salvajes" (segundo trabajo de Marcelo Piñeyro tras su popular "Tango Feroz") y "1000 boomerangs" (opera prima de Mariano Galperín).

Participó del álbum "Chiapas", a beneficio de los indígenas de ese estado mexicano, para el cual grabó el tema "Media Verónica" y regresó a los discos solista con "Alta Suciedad" (1997).

La hiperproductividad habitual de Calamaro se plasmó en el 2000 con su disco quíntuple "El salmón" (del cual por cuestiones comerciales también se editó un highlight).

Varios años de silencio pasaron antes de su siguiente disco. Calamaro publicó varios temas inéditos y out-takes en internet, pese a la presión de la industria discográfica en contra del mp3. Pero en el 2004 se despachó con "El cantante", un disco casi acústico de canciones clásicas del repertorio latinoamericano y tres canciones propias.

Zimbo Trio - Opus Pop Classicos Com Bossa (1972)

2008-07-10T12:16:00.000-07:00

The Zimbo Trio is a Brazilian instrumental ensemble established in 1964 in São Paulo, originally comprised by Amilton Godoy (piano), Luís Chaves (bass) and Rubinho Barsotti (drums). The group made numerous tours in Europe and Central and South America in the 1960s, and in the U.S. (Washington, New York, and Los Angeles) and Japan.

In recent times, Luís Chaves was replaced by Itamar Collaço. The trio's discography spans more than 40 albums, often in combination with other celebrated Brazilian performers.

Daft Punk - Discovery (2001)

2008-07-10T06:06:00.000-07:00

Les dejo los links para descargar la peli INTERSTELLA 5555, es una pelicula animada con los temas de este disco todos en orden... es una exelente pelicula recomendada espero que la disfruten.

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Subtitulos

Unir todo con winrar.

Daft Punk es un dúo francés de música electrónica, formado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Ambos se conocieron en la secundaria en París, Francia.

En el año 1992, conocen a Lawren Brancowitz con el cual crean un grupo de indie rock llamado Darlin.

El nombre de Daft Punk proviene del epíteto "a bunch of daft punk" (un montón de punk tonto) que le otorgó la revista inglesa Melody Maker a la primera colaboración del dúo en Darlin, conjunto inspirado un tanto en los Beach Boys.

El estilo de la agrupación es el house compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno y synth.

El primer single The New Wave (Soma, 1993) fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).

El dúo es conocido por el uso de una imaginería peculiar en sus producciones musicales: por ejemplo, el dúo aparece disfrazado de robots en sus imágenes publicitarias y en sus entrevistas. El álbum Discovery se convirtió en la pista musical del filme de anime Interstella 5555, que co-produjeron con Leiji Matsumoto que vino acompañada de un álbum de remixes llamado "Daft Club".

El 14 de marzo de 2005, Daft Punk lanzó un álbum llamado Human After All, que contiene diez canciones con una duración de 40 minutos, y realizado en un periodo de seis semanas. Los singles más conocidos del disco son "Technologic", "Robot Rock", y "Human After All".

Recientemente Daft Punk hizo un 'greatest hits' (grandes éxitos), una colección en CD/DVD titulada "Musique Vol. 1 1993-2005", lanzado el 4 de abril de 2006. Existe el rumor de que fue un acto obligatorio debido a su contrato con Virgin Records.En esta colección hay nuevos videos como "Prime Time of Your Life" y "Robot Rock (Maximum Overdrive)".

Daft Punk hizo en 2006 una película llamada "Electroma" que se vio en el Festival de Cannes.

EMI France ha editado ya el disco alive 2007 live, recopilatorio del concierto grabado la noche del 14 de junio en la ciudad de París, Francia. Este disco ha sido presentado en 2 versiones, una sencilla de un solo disco y otra más que contiene 2 discos y un álbum fotográfico, con las imágenes tomadas durante sus presentaciones en esta gira, además del nuevo video de Harder, better, faster, stronger (el cuál fue tomado con 200 cámaras repartidas por toda la audiencia en el concierto realizado en Brooklyn, Nueva York el 9 de agosto).

Los Twist - Cataratas Musicales (1991)

2008-07-10T05:37:00.000-07:00

Los Twist fue una popular banda de rock argentina creada por Pipo Cipolatti y Daniel Melingo en 1982. De ella también formaron parte importantes músicos argentinos como Fabiana Cantilo e Hilda Lizarazu.

Los Twist se formaron el 30 de marzo de 1982 a raíz de una propuesta de Daniel Melingo (saxofonista de Los Abuelos de la Nada) quien se unió a Pipo Cipolatti.

Entre los éxitos de la banda se destacan: "Invasión" y "El Estudiante". Éste último se convirtió en un himno representativo para los estudiantes secundarios de Argentina, y es frecuentemente cantado el 21 de septiembre, día del estudiante, y en los actos de fin de curso. También fue adaptado por la empresa Terra Networks, para un spot publicitario.

Los Twist solían tocar en el Café Einstein reducto del rock argentino, ubicado en Córdoba 2547, primer piso, de la ciudad de Buenos Aires, dirigido por Omar Chabán, Helmut Sigger y Sergio Aisenstein.

Metallica - Kill Em' All (1983)

2008-07-05T04:47:00.000-07:00

Kill 'Em All es el primer álbum de estudio del grupo de thrash metal Metallica, y es considerado como uno de los discos que asienta las bases del thrash metal. Fue grabado en solo dos semanas con muy poco presupuesto y se vendieron 65 mil copias aproximadamente en todo el mundo. La reedición de 1988 del álbum por Elektra Records añadió las canciones "Blitzkrieg" (una canción de la banda del mismo nombre) y "Am I Evil?" (de Diamond Head). Ambas versiones fueron previamente editadas como Garage Days Re-Revisited en la cara b del EP de Creeping death de la compañía Music For Nations en 1984.

Inicialmente la formación del grupo era James Hetfield (guitarra / voz), Lars Ulrich (batería), Ron McGovney (bajo) y Dave Mustaine (guitarra solista / voz). Debido a que el grupo estaba descontento con McGovney y querían remplazarlo por Cliff Burton, este dejó la banda.

Mustaine y Hetfield tenían conflictos personales, y esto produjo una pelea entre los dos, después de esto Mustaine acuso a Hetfield de haberle pegado patadas a su perro, esto creo tensión entre Mustaine y el grupo y esto mas los problemas de adicción de drogas de Mustaine provocaron que lo echaran de la banda. Hetfield y Ulrich afirmaron que echaron a Dave a causa de su problema con el alcohol. Mustaine inicialmente negó esto, y en la película del 2004 de Metallica Some kind of Monster, Mustaine dijo que Metallica le dijo que debería ir a Alcohólicos Anónimos.

Mustaine pasó a formar la banda Megadeth, que también Logró vender varios millones de éxitos. Después de la salida de Mustaine, Metallica contrato a Kirk Hammett, guitarrista del grupo Exodus quien comenzó la grabación de Kill 'Em All apenas un mes después de la incorporación.

A pesar de sus diferencias, Mustaine ayudo mucho a la creación de temas en los primeros años de Metallica y recibió créditos en cuatro de las canciones del álbum. Una canción, "The Four Horsemen" fue escrita originalmente por Mustaine y titulado "The Mechanix". Que se realizó en muchos de los primeros espectáculos de Metallica. Después de la salida de Mustaine, Hammett añadió un ritmo medio, melódico a la sección central y Hetfield escribió también una nueva letra para la canción. Mustaine mantuvo el ritmo más rápido como en la versión original de la canción, la llamó simplemente "Mechanix", y la incluyó en el primer álbum de Megadeth, Killing Is My Business... And Business Is Good!.Las otras canciones en que Mustaine tiene créditos como compositor son "Jump in the Fire", "Phantom Lord" y "Metal Militia".

La banda había planeado inicialmente para el título de su álbum el nombre Metal Up Your Ass, que contaba con una carátula con un inodoro en la que una mano con una daga salía dentro de él. Sin embargo, Megaforce los instó a cambiarlo, y finalmente cambiaron la carátula del álbum con una imagen menos ofensiva en la que aparece la sombra de una mano soltando una maza ensangrentada, y el nombre del álbum por Kill 'Em All dicho nombre (Mátalos a Todos) provenía de una frase del bajista Cliff Burton a causa del enfado que produjo en el grupo la negativa de diversas distribuidoras de discos a comercializar el álbum con el título que el grupo quería darle, Metal Up Your Ass (Metal Por El Culo

Ricardo Arjona - Sin Daños a Terceros (1998)

2008-07-03T11:33:00.000-07:00

Edgar Ricardo Arjona Morales (Jocotenango, Guatemala, 19 de enero de 1964), conocido en el mundo artístico como Ricardo Arjona o también Arjona, es un cantante y compositor guatemalteco de música pop y baladas.

Despues del exito obtenido con si el norte fuera el sur, ricardo arjona, tiene ademas problemas de censura por sus canciones con alto contenido social. y decide lanzar un disco asi "sin daños a terceros" para no lastimar a nadie, para algunos el mejor disco de arjona ya que cada una de las 14 canciones, sirven para identificarte con ellas.Se incluye la cancion "Con una estrella en el vientre" que canto en el oti 88,pero con un nuevo arreglo musical y ahora solo como "con una estrella". Canciones como Desnuda, Olvidarte y tarde (sin daños a terceros)se vuelven exitos y arjona experimenta por fin, un cariño excelso del publico

Heavy Metal Orchestra

2008-07-02T21:46:00.000-07:00

Este es un disco exelente de musica clasica interpretada en metal. Espero q la disfruten no consegui informacion pero es un disco exelente.

Andre Benichou - Jazz Guitar Bach

2008-07-02T11:27:00.000-07:00

Bach es interpretado por este guitarrista eléctrico. No es cualquier tipo de arreglo a la música del famoso compositor de música clásica, sino que es Bach en Jazz.

El nombre del famoso guitarrista autor de este disco compuesto por 25 canciones es Andre Benichou.

Los intrumentos que interpretan a Bach en este disco es guitarra, bajo y bateria, como todo buen jazz, con esto es suficiente.

Este es un disco poco conocido. El público a quien va dirigido es ya de por si reducido. Jazz y Bach es un combinación de buena música. Guitarras con pequeñas distorsiones graves, trasposiciones de los instrumentos originales a la guitarra, virtuosismo y creatividad. En fin, un disco que debemos tener y escuchar de vez en vez.

Cacophony - Speed Metal Symphony (1987)

2008-06-30T07:34:00.000-07:00

Speed Metal Symphony es el primer disco de la banda Cacophony.

Salió en 1987 cuando la banda estaba formada por los guitarristas Jason Becker y Marty Friedman, el baterista Atma Anur, y Peter Marino en la Voz. Producido por Mike Varney con la disquera Shrapnel Records, fue grabado en Junio de 1987 en Cotati, California en los estudios Praire Sun Studios.

Cacophony es una banda de música Estadounidense de la década de los 80' influenciada por un estilo speed metal combinándolo con un extremo virtuosismo en las guitarras, cuyos solos están basados en cortes neoclásicos. Liderada por Jason Becker, uno de los guitarristas más virtuosos dentro del Heavy Metal, más específicamente el metal neoclásico, y por Marty Friedman, virtuoso ex guitarrista de Megadeth. Hay que decir que si bien esta banda se mantuvo en un círculo "underground", esta marcó la pauta y el ocaso de la ultima época del heavy metal a finales de la década de los 80' junto con el estilo al cual aportaron indudablemente, el metal neoclásico. Esta banda no continuó componiendo debido a una temprana enfermedad de uno de sus importantes integrantes, Jason Becker, el cual contrajo esclerosis lateral amiotrófica (ALS, el mal de Lou Gehrig), un mal que lo afecta paralizándole e impidiéndole progresivamente el uso de su aparato motor, lo que llevó definitivamente a un brusco término de tan importante y prometedora banda.

Junto con Friedman (otro virtuoso quién después integró Megadeth, actualmente con una carrera solista) integró la banda de Heavy Metal Cacophony fundada por Mike Varney, antiguo dueño de la discográfica Roadrunner. Su primer disco, Speed Metal Symphony (1987), marca un nuevo estilo de solos de guitarra armoniosa, otorgándole a su música un aspecto más elaborado y sinfónico, unido con escalas y armonías exóticas occidentalizadas, éstas últimas provenientes de Friedman mientras que las influencias clásicas provenían de Becker. Editan su segundo y último álbum, Go Off! (1988), con temas más lentos y mélodicos que el anterior, y con una producción mejor que el primero.

Jason Becker es un guitarrista virtuoso, nacido el 22 de julio, 1969, Estados Unidos.

Comenzó a tocar la guitarra desde muy joven, debido a que su padre y su tío eran guitarristas. Tocaba temas de Bob Dylan, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen etc, además como el mismo afirma en su video "The legendary guitar of Jason Becker", aprendió a tocar de oído y de forma autodidacta, ya que traspasó ampliamente las influencias de su tío y su padre: "escuchaba frases de Yngwie Malmsteen en sus conciertos o una obra de Stravinski y luego tocaba esas frases de oído en mi guitarra, los fallos que cometía al tocarlas de oído hicieron que desarrollase mis propias frases". A los 16 años conoce a Marty Friedman, guitarrista que ya había editado un par de discos.

Dio - Holy Diver (1983)

2008-06-30T07:05:00.000-07:00

Grupo de heavy metal fundado por el legendario vocalista Ronnie James Dio en octubre de 1982. La agrupación nace después de que Ronnie abandonara Black Sabbath, llevándose consigo al baterista de la banda, Vinny Appice, quien había remplazado a Bill Ward durante la gira del disco Heaven and Hell (1980). A estos dos componentes se suman Vivian Campbell a la guitarra y Jimmy Bain, ex-Rainbow al igual que RJD, al bajo.

Video de Holy Diver

Con algunas ideas claras en torno a la dirección que debía tener su disco debút, Ronnie se aboca a la búsqueda de un guitarrista con un sonido más moderno y metalero. Tras varias audiciones a guitarristas americanos que no logran convencerlo, viaja a Londres, donde pide recomendaciones a su viejo camarada de Rainbow, el bajista Jimmy Bain. Jimmy lo invita entonces a algunos conciertos del circuito londinense, donde descubren a dos jóvenes promesas de las seis cuerdas: John Sykes y Vivian Campbell. Ronnie opta por contratar al segundo, un talentoso veinteañero escocés. Junto al mismo Bain, que es invitado a unirse al proyecto, queda configurada la formación clásica de la banda.

En mayo de 1983 DIO editó su primer disco, Holy Diver, en el cual Ronnie cantaba y tocaba el teclado. Para evitar tener al vocalista tras el teclado en los conciertos, la banda reclutó a Claude Schnell, ex Hughes-Thrall.

Holy Diver se convierte rápidamente en un disco de culto en el cada vez más rentable mercado del heavy metal ochentero, aportando un sonido pesado pero armónico, solos intensos y la voz inconfundible de Ronnie James Dio, quien por ese tiempo se gana el bien merecido apodo de "The Voice of Metal". Stand Up and Shout, Straight Trough the Heart, Shame on the Night, Holy Diver, Don't Talk to Strangers y el pegajoso himno Rainbow in the Dark, son algunos de los clásicos inmortales que aportó esta placa.

En la portada se veía a un demonio lanzando a un clérigo encadenado al mar. En esa imagen el diablillo (conocido por los fans como "Murray") hace con su mano el famoso signo de los "cuernos" que el público metalero suele utilizar en los conciertos de Rock, y que el pop ha tratado de plagiar en varias oportunidades (Dio denunció en 2004 que Britney Spears intentó imponerlo en sus conciertos). Ronnie reclama la autoría del signo, pues dice haberlo patentado en su paso por Rainbow en los 70's. Al respecto, asegura que los "cuernos" resumen el concepto "Long Live Rock and Roll".

Marty Friedman - Music for speeding (2002)

2008-06-29T21:33:00.000-07:00

Marty Friedman (nacido Martin Adam Friedman el 8 de diciembre de 1962 en Washington, D.C., Estados Unidos) es un guitarrista estadounidense, mejor conocido por el periodo de 1989 a 2000 en el que se desempeñó como el guitarrista solista de la banda de Thrash Metal, Megadeth. Friedman ahora reside en Japón donde es anfitrión de su propios programas de televisión, Rock Fujiyama y de Jukebox English en la televisión japonesa.

Friedman es un guitarrista empírico, conocido por su improvisación y por fusionar la música oriental con estilos musicales de occidente, tales como el metal neoclásico, thrash metal y más adelante el rock progresivo, J-pop, jazz,, New Age y similares. Yendo más allá de las escalas tradicionales, Friedman frecuentemente usa arpegios en las escalas con las que toca, utilizando una técnica poco convencional de tocar las cuerdas, favoreciendo los movimientos hacia arriba. También es conocido por su uso frecuente de vibratos melódicos y extensos.

Antes de unirse a Megadeth, formo y toco en varias bandas, incluidas Deuce, Hawaii, Vixen (no la banda femenina del mismo nombre), y Cacophony notablemente. Cacophony ofrecía elementos de metal neo-clásico, armonías sincronizadas de guitarras hermanas, y contrapuntos. Friedman grabo con Jason Becker dos álbumes en cacophony, Go Off y Speed Metal Symphony.

Shania Twain - Come on over (1997)

2008-06-29T18:18:00.000-07:00

Shania Twain (Nacida cómo Eilleen Regina Edwards, el 28 de agosto de 1965, es una cantante y compositora canadiense de música country y pop.

Come on Over (en español: Ven Conmigo) es el tercer álbum de estudio gravado por la cantante canadiense, Shania Twain, lanzado en Norteamérica el 4 de noviembre de 1997 bajo el sello de Mercury Records.

El álbum rompió varios records de ventas alrededor del mundo, convirtiéndose en el álbum más vendido por una artista mujer, en el álbum de música country más vendido de todos los tiempos, el álbum mejor vendido de la década de los 90s, y el noveno álbum más vendido de toda la historia de la música según el United World Chart.

Shania rompió su propio record en ventas ya que antes del lanzamiento de Come On Over, su anterior álbum The Woman in Me, que hasta entonces había sido certificado de Diamante en Estados Unidos (10× Platino) por ventas aproximadas a 10 millones de unidades, era el álbum de música Country mejor vendido por parte de una artista mujer.

Shania logró la fama mundial con su tercer álbum Come on Over, que es el álbum más vendido de todos los tiempos por una artista mujer y álbum de música country más vendido de toda la historia.

Ella es la única artista mujer en tener tres discos de diamante en Estados Unidos, certificados por la RIAA. También la segunda artista canadiense más vendedora, detrás de Celine Dion.

Desde 1995 con el lanzamiento de su álbum The Woman in Me, Twain ha logrado tanto éxito crítico, cómo comercial; ganando cinco premios Grammy; 27 premios BMI Songwriter y vendiendo más de 75 millones de discos en todo el mundo, entre ellos 48 millones sólo en Estados Unidos, es mucho si contamos que sólo ha publicado cinco álbumes.

Twain nació en Windsor, Ontario. Hija de Clarence Edwards y su esposa Sharon. Sus padres se divorciaron cuando ella tenía sólo dos años, entonces su madre se trasladó con Shania (entonces llamada Eilleen) y su hermana Jill a Timminis, Ontario; donde se casó Jerry Twain, un indígena ojibwa. Él reconoció legalmente a las niñas cómo sus hijas, por lo que a ambas se les cambió su apellido por Twain.

Elleen Twain tuvo una infancia difícil, sus padres ganaban poco y a menudo había escasez de alimentos en su hogar. Ella no quería que las autoridades escolares se enteraran de su situación porque temía que la pudieran separar de su familia. Debido a la pobreza que pasaban, Eilleen se vio obligada a trabajar y cómo cualquier hombre aprendió a cazar y a cortar madera. Aparte también trabajaba en un restaurante McDonald's en Ontario. Cuando tenía tan sólo ocho años comenzó a cantar en un bar para apoyar a su familia, ganando veinte dolares aproximadamente entre la medianoche y las dos de la mañana. Después de un tiempo el bar se cerró, pero la gente continuaba fiel a la música de Eilleen. A pesar de haber expresado su aversión por el canto en una atmósfera cómo ésta a una edad tan temprana, Shania cree que ésta fue su escuela de artes escénicas en el camino para convertirse en la exitosa cantante que ahora es.

Jack Johnson - Brushfire Fairytales (2001)

2008-06-29T08:53:00.001-07:00

Jack Hody Johnson (Oahu, Hawaii, EE. UU., 18 de mayo de 1975), conocido como Jack Johnson, es un músico estadounidense. El éxito comercial le llegó tras publicar su primer álbum Brushfire Fairytales.

Jack Johnson era un surfista profesional que tuvo un accidente que le obligó a descansar durante un tiempo. Pasó todo el tiempo de la recuperación componiendo canciones y tocando la guitarra.

Jack nació en Oahu, Hawaii, en 1975 y antes de dedicarse a la música fue uno de los mejores surfistas juveniles del mundo. Su carrera fue truncada por una ola gigante que casi lo mata y que lo obligó a abandonar la competición a los 17 años.

Pero este accidente no le impidió seguir ligado al surf. Al cumplir la mayoría de edad, viajó a California, a matricularse en la Universidad de California en Santa Bárbara. Una vez finalizados sus estudios encaminó una aventura con sus inseparables amigos Chris y Emmett Malloy que daría lugar a su primera película de surf, Thicker than Water que llegó a ser muy aclamada por el mundillo surfero. En esta película Jack escribió algunas de las canciones que formarían parte de la banda sonora, esto provocó la entrada de Jack Johnson en el mundo musical.

Ben Harper escuchó algunas de sus canciones y no dudó en contratarlo para su sello discográfico, Enjoy Records. Así, con la edición del álbum Brushfire Fairytales, en Marzo del 2001, comenzó su exitosa carrera musical.

Sus canciones Bubble Toes, Flake, Fortunate Fool o F-Stop Blues fueron un hit entre adolescentes y universitarios. Los críticos lo compararon con Ben Harper y con Dave Matthews. El álbum vendió más de un millón de copias. Las canciones son populares, cuentan historias simples de amor y desencuentros.

Posteriormente en el año 2003 creó su propio sello discográfico al que bautizó Brushfire Records. En este año publicó su segundo disco titulado “On and On”, donde mantuvo el mismo estilo que el anterior, pero su temas fueron más profundos como el del medio ambiente, la guerra y la obsesión capitalista del negocio como eje de la vida.

En una entrevista al The New York Times contó que su tercer trabajo, In Between Dreams, surgió de la decepción que sintió en 2004 luego de que George W. Bush fuera reelegido presidente. "Esto me decepcionó porque puse un poco de energía para tratar de echar a andar un pequeño cambio", dijo.

En este disco encontramos canciones donde hace una crítica social como es el caso de Good People, pero por otro lado temas como Sitting, Waiting, Wishing, Better Together y Constellations que son las perlas del álbum.

Su penúltimo trabajo es la banda sonora original de la película Curious George. Con la colaboración de sus amigos de siempre —Ben Harper, G. Love y Matt Costa— se trata de un gran disco, acústico y alegre, que como toda la música de Johnson se balancea entre el folk, el reggae y rock.

Siguiendo con el estilo que lo caracterizó en sus tres primeros albumnes, a principios de 2008 lanzó al mundo Sleep Through the Static, con el detalle, aparte de la bella aportación musical, de que fue grabado 100% con energía solar. Catorce hermosas canciones entre las que destacan la que le da el nombre al disco, Angel, If I Had Eyes y What You Trought You Need.

Jack Johnson considerado entre algunos críticos como el “beach boy” del siglo XXI por su vinculación al surf y a la música se ha convertido en un icono dentro del mundo de la música y del surf. Su música permite algunos relajarse, sentirse cerca de la playa o incluso encima de una ola ya que al igual que otros artistas, forma parte de la banda sonora de los viajes de cualquier surfero o amante de la naturaleza.

Su última película “A broken down melody”, transmite junto a amigos suyos como Gerry Lopez o el ocho veces campeón del mundo Kelly Slater, el verdadero espíritu del surf mediante sus imágenes y como no, mediante su música.

Actualmente ha abierto un estudio de grabación en Los Ángeles donde Zack de la Rocha, voz de la mítica banda Rage Against The Machine, ha grabado su primer disco en solitario, que espera a ser editado.

Ensiferum - Ensiferum (2001)

2008-06-29T08:00:00.000-07:00

Ensiferum (Del latín ensĭfĕrum (adjectivo neutro) que significa "Portador de la Espada") es un grupo de Viking Metal, procedente de Finlandia.

Alrededor del año 1995, Markus Toivonen (Guitarra) tocaba con unos amigos en una banda llamada Black Reflections y se dedicaban a tocar canciones de grupos de Thrash Metal como Megadeth, Pantera y otros. Markus se dio cuenta de que esa banda no le ofrecía mucha libertad para tocar la música que él quería, algo diferente. A él le encantaba el folk, y se sentía tremendamente atraído por bandas de Death Metal Melódico como Amorphis o Dark Tranquility. Decidió hablar con su amigo Kimmo Miettinen (Batería) y propuso tocar Viking Metal y éste aceptó. Sauli Savolainen (Bajo) también se unió al grupo. Markus eligió el nombre Ensiferum, que significa "portador de espada", o guerrero.

Durante el año 1996 Markus se dedicó a componer las primeras canciones del grupo, Knighthood, Old Man y Frost. Más tarde ese mismo año acogieron en sus filas al guitarrista Jari Mäenpää para ayudar a Markus con las voces. En enero de 1997 Jani hizo el servicio militar y por entonces la banda quedó colgada, aunque el resto de la banda aprovechó para mejorar las letras y practicar las canciones, cosa que mejoró en mucho la calidad del Demo que grabaron a la vuelta de Jani, por finales de ese mismo año. El demo, que incluía sus tres temas, se editó y vendió (300 copias) en el año siguiente. El batería (Kimmo) abandonó el grupo para tocar en ArthemesiA, y el antiguo baterista (Oliver Fokin) del desconocido grupo hizo un par de pruebas con Marko y fue contratado por Ensiferum, se podría decir que realizaron un cambio de baterías. También Sauli abandonó Ensiferum, y fue reemplazado por Jukka-Pekka Miettinen, hermano pequeño del ex batería, que curiosamente tenía tan solo 14 años cuando empezó a tocar con el grupo.

Para el año 1999 ya estaba lista un segundo Demo, que incluía los temas The Dreamer's Prelude, Little Dreamer, Warrior Quest y White Storm. A medida que iban tocando en pequeños conciertos el grupo fue adquiriendo mayor confianza y habilidad y para finales de Noviembre se decidieron a grabar su tercer y último demo, que incluía cinco temas: Intro, Hero in a Dream, Eternal Wait, Battle Song y una canción Bonus; Guardians of Fate. Con este tercer Demo Ensiferum empezó a tocar en más conciertos y fueron contratados por una discográfica que les ayudó a editar su primer disco con las colaboraciones en el set-line de Trollhorn (teclado) y Johanna Vakkuri (Coros) una amiga del grupo.

El álbum debut, de título "Väinämöinen", fue editado y lanzado en el 2001, a la vez que Meiju Enho entraba a formar parte del grupo como tecladista. El lanzamiento de "Ensiferum" fue brutal. Tras el éxito del primer disco, decidieron grabar "Iron" en Copenhague, en los estudios del prestigioso Flemming Rasmussen (Metallica...), aunque con la triste noticia de que el Guitarrista-Solista Jari Mäenpää abandonaba el grupo. No fue fácil reemplazarlo, pero el finlandes Petri Lindroos ocupa ahora su lugar.

En Febrero del año 2006 ellos lanzan un nuevo EP titulado Dragonheads. Dentro de todas las nuevas canciones también se incluyen dos demos regrabados; un cover de Amorphis y un compilado de música tradicional de Finlandia.

En junio de 2006 Ensiferum lanza su primer DVD en vivo, "10th Anniversary Live" que, como su nombre lo indica, fue hecho para celebrar su décimo aniversario como banda. Fue grabado en Nosturi, Helsinki, en diciembre de 2005.

Actualmente, la banda terminó la grabación de su tercer álbum de estudio, titulado "Victory Songs", que comenzó en noviembre de 2006, y finalizó el 18 de enero de 2007. La fecha de lanzamiento del single titulado "One More Magic Potion" se espera para el 7 de febrero de 2007, mientras que el disco espera salir a la venta el 21 de febrero de 2007.

Durante los últimos años, Meiju Enho siempre mantuvo en un equilibrio constante la banda, la escuela y su trabajo. Es por eso que ahora se toma un momentáneo descanso para poder terminar sus estudios. Esto significa que Ensiferum tocará los siguientes conciertos con Emmi Silvennoinen, la tecladista de la banda Exsecratus.

Korpiklaani - Spirit of the forest (2003)

2008-06-29T06:47:00.000-07:00

Korpiklaani es una banda finlandesa de Folk metal. La banda surge de la disolución de Shaman.

Jonne Järvelä pensó que el cambio debía estar enfocado hacia dos fuentes de influencia. Las poderosas melodías del Folk Fines y las melodías del metal clásico. Fue entonces cuando comenzó a buscar músicos para producir este proyecto que tenía en mente. El primero en sumarse al proyecto el violinista Jaakko Lemmetty, mejor conocido como Hittavainen. Matson, (batería) un viejo amigo de Jonnes sería el batería ideal. Luego se le fueron sumando naturalmente otros integrantes que encajaban perfectamente en la idea de Jonnes. Arto Tissari (bajo) Toni Honkanen (guitarras) y el percusionista Ali Mata (que venía de una banda de Folk metal), pronto fueron parte de la banda.

La mayoría de los temas de Korpiklaani, se basan en el típico folk finés, pero con un toque de metal. Eso es lo que da el toque distintivo a Korpiklaani entre otras bandas de Folk metal, quienes usualmente usan el folk como un impulso a partir del metal.

Es música típicamente finesa, y no temen ser encasillados como “yokels”, que viven en el medio del bosque. En el 2003 hicieron su debut a través de Napalm Records. El disco se llamó “Spirit of the Forest”. El disco presentaba un folk intenso, variando entre la magia de la instrumentación folk, y el Finnish folk metal.

TEA - [ti: ]

2008-06-29T06:37:00.000-07:00

01 - No Es Tarde
02 - Ciega Confianza
03 - Un Largo Camino
04 - Siempre a mi Lado
05 - Lejos de Aquí
06 - Una Farsa Más
07 - Condición de Leyenda
08 - Malgastando Todo
09 - Hace Mucho Tiempo
10 - Frío y Calor
11 - Adiós Ayer
12 - Solo por Tí

Tea es una banda de hard blues rock de Madrid que lleva ya más de 15 años de trayectoria y más de 1500 conciertos. Han tocado en todo tipo de sitios a lo largo y ancho de la península y parte de europa, y compartido escenario con bandas como Deep Purple (en Julio'04 fue la tercera vez que tocaron con ellos) Status Quo (en Julio'04 fue la segunda vez que tocaron con ellos), Jethro Tull, Dr. Feelgood, Glenn Hughes, Pat Travers, etc; Además de grupos nacionales como M-Clan; a petición y requerimiento de su cantante Carlos Tarque. Como anécdota, en una entrevista, Status Quo nombró a Tea como uno de sus grupos nacionales favoritos junto a Los Bravos.

Tea fue el único grupo español que ha sido elegido para participar en un festival en la Plaza de toros de Vista Alegre de Madrid junto a Cheap Trick, Deep Purple y Status Quo el 17 de Julio'04.

Mike Oldfield - Tubular Bells (1973)

2008-06-28T10:56:00.000-07:00

Con Tubular Bells empezaba la carrera en solitario de un músico precoz, que ya había intervenido en otras bandas como bajista y guitarra, así como en un grupo con su hermana Sally que sólo sacó un álbum a la venta. La composición de Tubular Bells (TB) se remonta algunos años antes de su publicación en 1973. La compuso Mike cuando apenas era un adolescente, y llevó la maqueta de discográfica en discográfica intentando que alguien le hiciera caso. Pero ninguna compañía aceptó la propuesta de aquél hippy de pelos largos. Tan sólo una quiso publicar el trabajo con la condición de introducir voces, algo a lo que Mike se negó en rotundo; y es que una de las razones por las que TB es considerado una obra maestra es por romper el estilo imperante de la época, ya que en todos los discos de otros artistas (incluidos Pink Floyd, que se acercaba al estilo de música que hacía Mike) trabajaban siempre con el fácil recurso de las cuerdas vocales.

De esta manera, y algo desilusionado, conoció a Richard Branson, que poseía unas cuantas tiendas pequeñas de venta de discos a domicilio. Richard le ofreció a Oldfield la posibilidad de publicar TB en una discográfica que pretendía montar. Y así fue. Entre ambos y otros amigos lograron grabar de forma artesanal la obra. La grabación de TB se realizó en The Manor, una mansión-estudio (la primera de Inglaterra), en donde todos los involucrados en el proyecto pasaban los días ensayando y probando formas para plasmar las ideas de Oldfield. Pero esto no era fácil: Oldfield deseaba hacer una larga sinfonía con multitud de instrumentos sin la utilización de ordenadores. De esta forma descubrieron que bloqueando el cabezal de grabado en las grabadoras, podían hacer sonar varios instrumentos unos encima de otros. Esto fue algo muy importante, ya que Oldfield toca prácticamente todos los instrumentos en el disco.

De esta manera, y tras lograr superar los problemas principales de grabación, el disco salió a la venta bajo el sello de una discográfica nueva: Virgin Records. Esta multinacional, que actualmente se dedica comercializar innumerables productos, (entre los que cabe destacar agencia de viajes e incluso bebida refrescante) se consolidó gracias a las ventas de su primer disco: TUBULAR BELLS, de Mike Oldfield.

Y es que las ventas de este disco fueron espectaculares: en los primeros años de salir a la venta, se registraron unos 16 millones de copias vendidas en todos el mundo, con un mercado especialmente fiel en Europa. A la calidad y originalidad de la obra, ayudó el hecho de que varios extractos del disco (el más famoso es el de los primeros segundos de la primera parte) fueron incluidos en la banda sonora de la película "El Exorcista". Sin embargo, esto se hizo sin el consentimiento del propio Oldfield, pues se trató de una de las estrategias de marketing de Richard Branson.

Tubular Bells llegó inmediatamente al número uno de las listas de más vendidos, y permaneció en ella durante muchos meses. Pero este hecho no tuvo precisamente buenas consecuencias para Oldfield. El éxito arrollador con el que se encontró a tan temprana edad, junto con el hecho de haberse convertido en millonario (y haber hecho rico también a su jefe Richard Branson, que a partir de ahí pudo crear el gran "imperio Virgin"), le provocó una crisis de personalidad. Huidizo, se escondió, canceló y negó entrevistas y, por decirlo de alguna manera, desapareció del mundo. Oldfield estaba triste. Al hecho de que su madre muriera tempranamente debido a una enfermedad, y el mal ambiente familiar que le tocó vivir, le causaron un complejo de inferioridad.

Años después, y gracias a diversas terapias, Oldfield cambió completamente, mostrándose a todo el mundo, y de una manera mucho más feliz.

Tubular Bells se compone de dos piezas (Part One, Part Two), en las que son desarrolladas un sinfin de melodías, e introduce ideas tan originales como:

Ausencia de voces: Aunque son utilizadas en coros y acompañamientos en varias ocasiones, en todo en disco, de unos 45 minutos de duración, no existe una sola canción con letra propiamente dicha. Lo más parecido es lo que se ha llamado "El Hombre de las Cavernas" (Ver más abajo).

El maestro de ceremonias: Sin duda una de las parte más originales. Se trata de una voz (Vivian Stanshall) que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras que estos se van oyendo y uniendo a la melodía principal en orden. El último instrumento es muy especial: "at last... ¡Tubular Bells!" Vivian Stanshall era un músico que estaba grabando en los mismos estudios en los que Tubular Bells tomaba forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco.

El hombre de las cavernas (The Piltdown Man): Uno de los momentos más "duros" del disco. Tiene una curiosa historia: en un yacimiento arqueológico se encontró la calavera de un humano con la mandíbula de un simio. Aquello significó una gran revolución, y se creó una enorme polémica. Finalmente se descubrió que aquello no había sido más que una estafa. Oldfield hizo su particular visión de cómo imaginó a aquel monstruo rudo e ignorante en esta sección de la cara B del disco, en la que él mismo pone su voz a su particular "hombre de las cavernas".

Spencer Nilsen - Ecco The Dolphin

2008-06-28T10:35:00.000-07:00

Spencer Nilsen es un musico de videojuegos, hizo la musica de juegos como Batman Returns, Ecco the Dolphin, Ecco: The Tides of Time, Jurassic Park, The Adventures of Batman and Robin and The Amazing Spider-Man vs. The Kingpin.

Es un disco muy acuatico y llevadero.

Este es un disco muy Chill Out espero que lo sepan apreciar...

Wayman Tisdale - Hang Time (2004)

2008-06-27T16:57:00.000-07:00

01 - Ready to hang
02 - Creative Juices
03 - Cruisin'
04 - Ain't no Stopping Us Now
05 - My World
06 - Hang Time
07 - Better Days
08 - Everything in you
09 - Even When
10 - The time is here
11 - Off into It
12 - Glory Glory

Wayman Lawrence Tisdale (nacido el 9 de junio de 1964 en Tulsa, Oklahoma) es un ex jugador de baloncesto estadounidense que jugó durante12 temporadas en la NBA. Con 2,06 metros, jugaba en la posición de ala-pívot. En la actualidad es un músico de jazz con varios discos editados tocando el bajo.

Fue convocado con la selección de baloncesto de Estados Unidos para participar en los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984, donde consiguieron la medalla de oro ante la selección española.

Fue elegido en la segunda posición del Draft de la NBA de 1985 por Indiana Pacers, donde jugó durante 3 temporadas y media. A mediados de la temporada 1988-89 fue traspasado a Sacramento Kings. Allí jugó su mejor temporada, en 1990, promediando 22,3 puntos y 7,5 rebotes por partido. En 1994 ficharía por Phoenix Suns, equipo en el que se retiraría al finalizar la temporada 1996-97. En el total de su carrera promedió 15,3 puntos y 6,1 rebotes por partido.

Tisdale grabó su primer disco en 1997, titulado Power Forward. Fue galardonado con el Legacy Tribute Award por el Oklahoma Jazz Hall of Fame.

Crimson Glory - Crimson Glory (1986)

2008-06-27T02:40:00.000-07:00

01 Valhalla
02 Dragon Lady
03 Heart Of Steel
04 Azrael
05 Mayday
06 Queen Of The Masquerade
07 Angels Of War
08 Lost Reflection

Midnight: Vocales
Jon Drenning: Guitarra
Ben Jackson: Guitarra
Jeff Lords: Bajo
Dana Burnell: Batería

Crimson Glory se convirtió en una de las bandas de culto de los 80’s gracias a su frontman Midnight, un tipo enigmático, muy carismático si se quiere y de una carácter difícil, que con su particular voz le dio un sello único a esta banda que aunque hoy sigue activa, nunca volvió a ser la misma sin él. Otra de las cosas que caracterizó a este grupo fue el uso de máscaras, unas que cubrían apenas la mitad o alguna parte del rostro y otras por completo, muy usuales en los bailes en los siglos XVI y XVIII en las cortes europeas.

Me recuerdan los capítulos de La Máscara de Mandrágora de la serie inglesa de la BBC, Dr. Who protagonizada por Tom Baker y que se transmitieron en 1976. Claro que esto simplemente fue un elemento decorativo que hizo a Crimson Glory más llamativo visualmente, porque la calidad de esta agrupación en el aspecto realmente importante, la música, no dejó ninguna duda. Este era un grupazo que estaba para cosas grandes, lástima que los problemas internos y personales de Midnight con los demás miembros, dieran al traste con su prometedora carrera.

A pesar de los incipientes intentos que se han hecho para su retorno a Crimson Glory, los cuales se dieron en varias ocasiones, ha sido imposible volver a tener a la alineación original para un nuevo disco. Su sustituto ha sido siempre Wade Black (Sector 9, Rick Renstrom, Leash Law, Tiwanaku, ex-Leatherwolf, ex-Seven Witches) pero ni este veterano de mil batallas ha logrado llenar los zapatos de Midnight, no por incapacidad, sino porque solo existe un Midnight; tal y como lo dijo él mismo, “solo hay un Crimson Glory”.

Su primer disco homónimo reveló a un grupo con un potencial tan grande como el que tenían bandas del calibre de Queensrÿche o Fates Warning, lo cual ya era mucho decir en 1986. Desde que el disco inicia con la poderosa Valhalla, un medio tiempo melódico y pesado, quedamos enganchados a este trabajo, la hechizante voz de Midnight deja claro de que esta banda no era nada parecido a lo que habíamos antes. Dragon Lady es un poco más ágil con un coro que rápidamente estarás cantando: Watch out for her poison heart/ She's a dragon lady", donde destaca la gran línea melódica, los solos de Jon Drenning y por supuesto Midnight.

Heart Of Steel juega con las guitarras acústicas y eléctricas, en un intro suave que se sube en intensidad al entrar el coro, a partir de ahí los riffs que se encargarán de llevar el resto de la canción con la melodía inicial; otro coro que no podrás evitar cantar: "Got to have a heart of steel / Heart of steel" . Azrael inicia también en forma de balada, las guitarras hacen su aparición y la canción aumenta en fuerza con uno de los riffs más pegajosos del disco, intercalan pequeños arpegios que le dan variedad al sonido tradicional de las canciones; otra para corear.

Mayday es el lunar de este disco, canción veloz, pero chillona y que suena escandalosa, desentona dentro de la estructura de medios tiempos y de aires tristes y oscuros que nos habían dado hasta el momento. Hasta Midnight suena horrible cantando este tema en el que da unos alaridos espantosos; totalmente fuera de contexto. Por suerte llega Queen Of The Masquerade, otro medio tiempo que, si bien no es de los mejores, ya que es un poco repetitiva, nos devuelve ese sonido fino que ha marcado la pauta en este disco y al grupo. Las melodías tristes y oscuras vuelven a ser el Leit Motiv, incluso una línea el bajo rompe la estructura y nos regalan algo diferente.

Angels Of War llega con un efecto, una voces y nos sorprende con una entrada en batería potente que remata con un gran riff, de esos que no puedes evitar mover la cabeza a pesar de que no sea veloz. Los riffs se hacen acompañar por melodías, diferentes juegos de arpegios y solos por parte de Drenning. Una de las mejores y más versátiles canciones de este debut. Finalmente llega la melancólica Lost Reflections, uno de esos temas inolvidables ya que aunque es suave y en su mayoría en acústica, nos sorprende cuando hace fuertes cambios para darle paso al coro. Por otro lado Midnight nos regala una de las mejores interpretaciones de su carrera, digno de una obra de Broadway dada la vocalización de carácter que le da; en este punto solo hay que quitarse el sombrero ante este gran cantante.

Aguaturbia - Complete Tracks

2008-06-25T15:43:00.001-07:00

01 - Baby (Aguaturbia 1969) - 3.03
02 - Erotica (Aguaturbia 1969) - 3.50
03 - Alguiem Para Amar (Aguaturbia 1969) - 3.01
04 - Ah Ah Ah Ay (Aguaturbia 1969) - 2.13
05 - Rollin And Tumblin (Aguaturbia 1969) - 3.08
06 - Uno De Estos Dias (Aguaturbia 1969) - 5.31
07 - Carmesi Y Trébol (Aguaturbia 1969) - 7.07
08 - Eres Tú (Aguaturbia 1969) - 2.50
09 - I Wonder Who (Volume 2 - 1970) - 2.58
10 - Heartbreaker (Volume 2 - 1970) - 4.33
11 - Blues On The West Side (Volume 2 - 1970) - 6.17
12 - Waterfall (Volume 2 - 1970) - 3.45
13 - Well All Right (Volume 2 - 1970) - 3.47
14 - Jailhouse Rock (Volume 2 - 1970) - 2.44
15 - E.V.O.L. (Volume 2 - 1970) - 8.45
16 - Aguaturbia (Volume 2 - 1970) - 2.24
17 - El Hombre De La Guittarra (Bonus 1973) - 3.34

Aguaturbia, banda de rock chileno formada en 1969. La banda estaba integrada por el guitarrista Carlos Corales, su mujer, la vocalista Denise, el bajista Ricardo Briones y Willy Cavada en batería.

Reconocidos como pioneros del rock sicodélico en América Latina, fueron también sujetos de polémica en los medios de la época, principalmente por las carátulas de sus discos. El diario vespertino La Segunda, publica en su portada del 13 de marzo de 1970 un gran fotografía con el primer disco de Aguaturbia. En la imagen aparecen los integrantes de la banda sentados y sin ropa, sólo con anteojos de colores, cintillos y accesorios característicos del movimiento hippie.

El segundo álbum, con una portada inspirada en el Cristo de San Juan de la Cruz, de Dalí, provocó mayor polémica con su mujer crucificada. La banda entonces decide marcharse del país a Estados Unidos en noviembre de 1970, por el rechazo que provocaron en los sectores conservadores, que los hostigaban queriendo cortarles el pelo y amenazas de agresión en la calle.

Volvieron en 1973, pero la situación había cambiado radicalmente en Chile en esos años. Sus últimas actuaciones fueron en marzo de 1974 en el Teatro Andes y el Teatro Caupolicán de Santiago.

Posteriormente, Corales emprendió junto a Denise proyectos nuevos como Panal (1976) y La Mezcla (1984).

Congregacion - Congregacion Viene (1972)

2008-06-25T10:11:00.000-07:00

01. Estrecha a tu hermano
02. Arrebol
03. Mentes prenadas de amor
04. Síntesis de la exitancia
05. El dulce espíritu de la soledad, ama la muerte hermano
06. Tanto parcelamiento
07. Eclíptica
08. Atrapados por un pensamiento
09. Fantástico
10. Cosas que suceden
11. Cuantos que no tienen y merecen
12. Mengano
13. Y regresaras a tu cuarto

Surgidos en Valparaíso bajo la creatividad de Antonio Smith, su único disco es una mezcla de plácidos sonidos, llenos de mensajes positivos e idealistas, de amor a la naturaleza y al hombre en sí mismo. En lo musical desarrollan un estilo que mezcla el folclor, la sicodelia y lo progresivo. Si bien la banda no logró reconocimiento masivo en el país, Antonio Smith cantó en el Festival de Viña del Mar, aunque ante la apatía general de los espectadores y de la prensa.
Antonio Smith, el compositor de todos los temas de la banda, continúa trabajando como solista realizando música no comercial y más tarde produce -como era de esperarse- música New Age bajo el nombre de Awankana.

Musicos

Antonio Smith : voz, guitarra, plectrófono, megáfono, compositor
Alejandro : guitarra 6 y 8 cuerdas, armónica, coros
Alberto : bajo eléctrico, guitarra, coros
Baltasar : percusión, guitarra, coros
Carlos : flauta, pandero, percusión
Johan : coros
Richy : bajo eléctrico
Grumpy : cello
Gino : cello
Eduardo : piano (Los Jaivas)
Gabriel : trutruca (Los Jaivas)
julio : coro (Amerindios)

Color Humano - Color Humano 3

2008-06-25T09:53:00.001-07:00

01 - Cosas rústicas (coto de caza)
02 - Hombre de las cumbres
03 - A traves de los inviernos
04 - Las historias que tengo
05 - Vestidos de agua
06 - Mañana por la noche

Entre marzo y junio de 1973 grabaron en Phonalex la segunda placa que sería doble, pero el sello Microfón lo editó como dos discos independientes (Color Humano 2 y Color Humano 3). El último de estos álbumes demoró hasta 1974 su lanzamiento porque era difícil conseguir vinilo por la crisis del petróleo.
La banda no se presentaba muy seguido en vivo, pero a fines de 1973 realizó dos funciones continuas en el tetro Astral, Buenos Aires, que tuvo una gran convocatoria. Pero, un año más tarde, previo al concierto de despedida la banda se disuelve por conflictos internos. Otros de los motivos fue que Edelmiro emigró a Los Ángeles..
En 1995, los últimos integrantes de Color Humano (Molinari, Rafanelli y Moro) fueron tentados para reunirse y realizar una presentación en vivo en The Roxy. El show fue grabado y editado a fines de ese año

Color Humano - Color Humano II

2008-06-25T03:22:00.000-07:00

01 - Sangre del sol
02 - La tierra del gitano
03 - Pascual Talcual
04 - Humanoides
05 - Va a salir un lugar
06 - Un blues para adelina

Color Humano fue un trío fundado a fines de 1971 por Edelmiro Molinari, luego que se disolvió Almendra. El nombre de la banda fue tomado de un tema que compuso Molinari para Almendra.

La primera formación de la banda fue Edelmiro Molinari (guitarra y voz), Rinaldo Rafanelli (bajo y coros) y David Lebón (batería y coros). El primer recital de la banda fue ofrecido en abril de 1972 el Teatro Atlantic, Buenos Aires.
En diciembre de ese año grabaron su primer disco en los estudios Phonalex, en el que participaron Rodolfo García (ex Almendra) y la cantante Gabriela (Parodi), que después fue esposa de Edelmiro.
Pero a fines de 1972 se alejó David Lebón del grupo, para incorporarse a Pescado Rabioso, y lo reemplazó Oscar Moro.
En noviembre participó en el Festival B.A. Rock III que dio lugar a la película Rock hasta que se ponga el sol, donde la banda abre el film tocando "Larga Vida al Sol" y 'Coto de caza", ya con Moro en la bateria.

Color Humano - Color Humano 1 (1973)

2008-06-24T12:55:00.000-07:00

01 - Padre sol, madre sal
02 - Silbame, oh cabeza
03 - Larga vida al sol
04 - El hachazo
05 - Humberto
06 - Introduccion polenta

Video de "Larga vida al sol"

A fines de 1972 David Lebón se alejó del grupo para tocar el bajo en Pescado Rabioso, siendo reemplazado por Oscar Moro. El grupo se consolidó y comenzó a grabar a fines de 1973, una vez más en los estudios Phonalex, un álbum doble. Por razones presupuestarias y de mercado el sello Microfón lo sacó a la venta como dos discos independientes. Como la cantidad de material compuesto era tanto se tomó la decisión de editarlo con ese formato y así resultaron Color Humano 2 y Color Humano 3.

Entre uno y otro se produce la crisis del petróleo y, todos los productos de él derivados, como el vinilo, eran difíciles de conseguir. Esto provocó la demora en la salida de Color Humano 3, que se editó finalmente en 1974. Como había sido pensado para salir todo como segundo disco, la tapa nos muestra la sutileza de ser la misma imágen del segundo trabajo pero de frente. Si bien la banda tenía mucho prestigio y vendía bastante bien, no solían presentarse muy seguido en vivo, lo que le fue restando popularidad.

Hubo un regreso que quedó plasmado en un CD "En el Roxy" en 1995, que no pude conseguir (si alguien lo tiene, estaría bueno que lo postée). La brecha generacional no solo era etaria sino tambien musical y solo dio para recordar aquellas épocas de pelo largo y pantalones oxford y nada más.

The Ramones - Ramonesmania (1988)

2008-06-21T23:53:00.000-07:00

01 - Blitzkrieg bop
02 - Beat on the brat
03 - Judy is a punk
04 - I wanna be your boyfriend
05 - Chain Saw
06 - Now I wanna sniff some glue
07 - I don't wanna go down to the basement
08 - Loudmouth 09 - Havanna Affair
10 - Listen to my heart
11 - 53rd & 3rd
12 - Let's dance
13 - I dont wanna walk around with you
14 - Today your live tomorrow the world

The Ramones fue una influyente banda de punk rock formada en Forest Hills, en el distrito de Queens, Nueva York, Estados Unidos, en el año 1974. En 2002 fueron incluidos en el Rock & Roll Hall of Fame.

Pioneros del naciente punk rock, cimentaron las bases del estilo con composiciones simples, minimalistas y repetitivas, contrarias a la pomposidad del rock progresivo de los años 1970. Su sonido se caracteriza por ser rápido y directo, con influencias del rockabilly de los años 1950, el surf rock,The Beatles, The Velvet Underground, las bandas de chicas de los 60's como The Shangri-Las, el garage proto-punk de MC5 y The Stooges y el glam callejero de New York Dolls y T. Rex.

Ramones lideró la Primera ola del punk en Nueva York, compartiendo el escenario del CBGB con Patti Smith, Television, Talking Heads, Johnny Thunders and the Heartbreakers, Blondie y Richard Hell, entre otros. Uno de los actos más importantes de la historia del rock, su influencia se percibe desde The Clash y Sex Pistols a Sonic Youth y Nirvana.

La banda se disolvió en 1996, luego de culminar el último show de su gira mundial en Argentina para luego retirarse en el festival Lollapalooza.

Joey Ramone murió de linfoma el 15 de abril de 2001 en Nueva York, mientras estaba escuchando la canción "In A Little While" de U2. (En junio de 2001, en un concierto en Boston, Bono dijo que la canción trataba sobre una resaca, pero Joey la convirtió en una canción gospel)
Dee Dee Ramone apareció muerto en su casa de Hollywood el 5 de junio de 2002, por una sobredosis de heroína. El compositor más activo de la banda tenía planeado realizar una gira por Brasil, tocando los clásicos de la banda de Queens.
Johnny Ramone murió de un cáncer de próstata el 15 de septiembre de 2004, en Los Ángeles.

Videografia:

Explosions In The Sky - The Earth is a not cold dead place (2003)

2008-06-12T16:29:00.000-07:00

01 - First breath after coma
02 - The only moment we were alone
03 - Six days at the bottom of the ocean
04 - Memorial
05 - Your hand in mine

Explosions in the Sky es una banda de post-rock formada en Texas, Estados Unidos. Sus miembros son Munaf Rayani (guitarra), Mark Smith (guitarra), Michael James (bajo) y Chris Hrasky (batería). La banda edita sus trabajos bajo la discográfica Temporary Residence Limited.

Explosions in the Sky fue formado en Austin, Texas en 1999. Rápidamente ganaron reputación por méritos propios entre otras bandas locales como Lift To Experience y acapararon la atención de los medios de comunicación por su segundo álbum, Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever, debido a los rumores que los vinculaban con los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, ya que este álbum contiene la imagen de un avión y la frase "este avión se estrellará mañana" en la portada. Erróneamente se cree que el álbum salió el 10 de septiembre de 2001, cuando realmente salió en agosto de ese mismo año y la portada fue creada en el año 2000. El bajista Michael James fue detenido en un aeropuerto como una amenaza a la seguridad, y tuvo que explicar por qué su guitarra tenía escrita las palabras "este avión se estrellará mañana".

Después de ser contactados por Brian Reitzell, compusieron la banda sonora de la película de 2004 Friday Night Lights . A pesar de tener acceso a muchos equipos raros en el estudio para el proyecto, la banda decidió mantener su estilo de composición al crear material original.

La agrupación se caracteriza por producir un sonido intimista, que también los define. Nunca realizan bis en sus presentaciones y no suelen tocar en escenarios muy masivos. Sin embargo su prestigio aumenta y cada vez más se asocia al grupo a la elite de bandas de post-rock que generan seguidores fieles (entre los que se contarían la banda oriental Mono, o las canadienses Godspeed You! Black Emperor, Thee Silver Mt. Zion o Do Make Say Think), además de contar con una reputación cada vez más ascendente entre la crítica, que considera al post-rock como la gran manifestación contemporánea del rock progresivo.

Intoxicados - El exilio de las especies (THEND) (2008)

2008-06-10T18:50:00.000-07:00

01 - Bienvenidos Al Apocalipsis
02 - Comandante
03 - Noche Con Amigos
04 - Pila Pila
05 - Me Vuelvo Al Sudeste
06 - Quien Soy
07 - Un Secreto
08 - Casi Sin Pensar
09 - Mayonesa
10 - Jaime Marrón
11 - Del Mar
12 - Africa
13 - Himno A Bolaños

"El exilio de las especies (Thend)" es el extraño título del nuevo disco de Intoxicados, el conjunto liderado por el polémico Christian "Pity" Álvarez, del que ya se conoce el tema "Pila pila" y del que pronto sonará en las radios "Casi sin pensar".

Con una docena de nuevos temas, la producción discográfica promete profundizar aún más el eclecticismo que siempre rodeó a la banda, que prueba nuevos sonidos como el rap o el reggae sin dejar de lado el rock.

En este caso, Álvarez y sus músicos vaticinan ya desde el título del álbum que el fin de la raza humana está cerca y que la música puede ser la salvación. De la placa se conoció a comienzos de año "Pila pila", canción que sonó con insistencia durante el verano y cuyo videoclip fue uno de los de mayor rotación.

El tema, un rock con toques de reggae, tiene un pegadizo estribillo lleno de guiños a viejas publicidades. "Siempre una pila de vida, no me confundas con ese gatito, vos sabes que yo soy un ratón. Pila de mi corazón, una pila toda la vida, no como ese conejito que no dura nada, yo soy ratón a batería, pila pila", dice la letra.

"El exilio de las especies (THEND)" saldrá a la venta el 24 de abril en dos formatos: standard y una edición de lujo, con un box-set especial y espacio para guardar la discografía completa de la banda.

Scott Joplin - The Best

2008-06-05T10:19:00.000-07:00

01 - The entertainer
02 - Maple Leaf rag
03 - Swipsey
04 - Sunflower slow drag
05 - The easy winners
06 - Ragtime dance
07 - The cascades
08 - Bethena
09 - Gladioulus
10 - Heliotrope Bouquet
11 - Fig leaf rag
12 - Pine apple rag
13 - Solace
14 - Euphonic sounds
15 - Stoptime rag
16 - Scott Joplin's new drag

Scott Joplin (Texarkana, Texas, Estados Unidos, ¿24 de noviembre de 1868? - Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, 1 de abril de 1917). Compositor y pianista estadounidense. Fue una de las figuras más importantes en el desarrollo del ragtime clásico, para el que deseaba un estatus similar al de la música seria proveniente de Europa, y la posibilidad de admitir composiciones extensas como óperas y sinfonías.

Scott Joplin, a diferencia de otros músicos contemporáneos, tuvo una formación musical clásica muy sólida, lo que se materializó en su tendencia a obtener un equilibrio formal basándose en el uso de tonalidades muy próximas entre sí.

Sus rags se valen de distintos ritmos e incluyen, generalmente, cuatro temas de 16 compases repetidos, con introducción y modulación antes del tercer tema; tras la profusión de sonidos irregulares y arpegiados siempre se encuentra en sus rags una melodía de carácter pegadizo que sigue el clásico patrón de frase antecedente-consecuente, dividiéndose así la melodía de ocho compases en dos partes relacionadas entre sí. Por lo demás, sus rags carecen de pasajes de desarrollo.

Scott Joplin no grabó nunca audios, aunque sí algunos piano rolls a finales de 1915 o principios de 1916; su legado, por tanto, se centra casi exclusivamente en sus partituras, diseñadas "para una ejecución milimétrica y minuciosa por parte del artista".

Nacido en un ambiente musical, fue el segundo de los seis hijos de Florence Givins (cantante e intéprete de banjo) y Giles Joplin (antiguo esclavo y violinista); todos sus hermanos tocaban también distintos instrumentos musicales.

Muestra su habilidad musical a una edad temprana y aprende a tocar la guitarra y la corneta; a los ocho años se inicia su afición por el piano. Estudió música por primera vez en Texarkana con un profesor de música alemán (Julius Weiss), impresionado por sus primeras improvisaciones cuando tenía once años. La base de sus clases era el estudio de la armonía de acuerdo con la tradición europea.

Tras morir su madre en 1882, Joplin, ante la presión por parte de su padre para que aprendiese un oficio, abandona el hogar familiar. Se instaló itinerantemente en el valle del Mississippi y trabajó como pianista en bares y prostíbulos, lugares donde empleaban a la mayoría de los músicos de color. Sus experiencias musicales de esos años le sirvieron en el futuro como inspiración rítmica y melódica.

Comenzó a vivir en 1885 en la región de San Luis-Sedalia, donde conoció a otros pioneros del ragtime como Tom Turpin, Arthur Marshall y Louis Chauvin. Joplin estudió en la universidad George Smith para alumnos negros, donde siguió cursos de armonía y composición. En 1893 actuó, con una orquesta propia en la que tocaba el piano y la corneta, en la World's Columbian Exposition de Chicago, y un año después se trasladó a Sedalia (Misuri).

En 1895 publicó sus primeras canciones, temas como "A picture of Her Face" y "Please Say You Will". Fue en Sedalia donde publicó, en 1899, Original Rags y Maple Leaf Rag (su obra más importante y uno de los rags más famosos que se han editado, que llegó a vender cientos de miles de copias de su partitura); también abrió un centro de enseñanza. El éxito como compositor le llevó a componer más de cincuenta obras para piano entre 1895 y 1917.

En 1902, fruto de su interés en expandir las posibilidades del género, compuso el Ragtime Dance, un ballet de veinte minutos de duración con narración incluida, con base en los bailes de la sociedad negra del momento. Comercialmente, fue un fracaso, lo que llevó a que en 1903 su editor musical se negara a publicar A Guest of Honor, la primera ópera de Joplin (aun así, se estrenó en San Luis el 18 de febrero de 1903).

En 1906 se desplazó a Chicago y en 1907 se trasladó a Nueva York, donde se asentaría definitivamente dos años después. Cuatro años después publicó, con su propio dinero, la ópera Treemonisha, obra con la que intentó ir más allá del ragtime, para crear una ópera exclusiva de los afroamericanos.[4] Se estrenó en 1915 en una versión de concierto, sin decorados, pero fracasó cara al público; este hecho provocó en el compositor una depresión que le llevó a sufrir diversos trastornos mentales y problemas físicos de coordinación.

Enfermo de dementia paralytica cerebral, originada por la sífilis, ingresó en 1916 en el Hospital estatal de Manhattan, donde terminaría falleciendo.

Su música resurgió cuando varios de sus rags, entre ellos The Entertainer, aparecieron en la película El golpe (1973) y Treemonisha se estrenó con éxito en 1975 por la Houston Grand Opera.

Otras composiciones de Joplin son Peacherine Rag (1901), Palm Leaf Rag-A Slow Rag (1903), Euphonic Sounds (1909) y una obra que contiene explicaciones sobre su estilo: The School of Ragtime: Six Exercises for Piano (1909).

Jack McDuff - The Honeydripper (1961)

2008-06-05T09:59:00.000-07:00

01 - Whap!
02 - I want a little girl
03 - The honeydripper
04 - Dink's Blues
05 - Mr. Lucky
06 - Blues and tonic

Exelente organista de jazz para disfrutarlo =P vale la pena 100%

Tea - Underdogs & Outsiders (2003)

2008-05-30T11:32:00.000-07:00

01 - Moving Round
02 - Another Swindle From the Box
03 - You Shoot’em Down
04 - Long Time Coming
05 - Follow Me
06 - Anything You Want
07 - It’s Alright
08 - Till We Fade Away
09 - She Came to Me
10 - Pretty Queenie
11 - Stone Cold Fever
12 - L.O.V.E. Love
13 - Always Slipping Away

Tea es una banda de hard blues rock de Madrid que lleva ya más de 15 años de trayectoria y más de 1500 conciertos. Han tocado en todo tipo de escenarios a lo largo y ancho de la península y parte de Europa. Han compartido escenario con bandas como Deep Purple, Status Quo, Jethro Tull, Dr. Feelgood, Glenn Hughes, Pat Travers, etc..

Tea fue el único grupo español que ha sido elegido para participar en el festival "Rock in Madrisss" en la Plaza de toros de Vista Alegre de Madrid junto a Cheap Trick, Deep Purple y Status Quo el 17 de Julio'04.

Tras haber publicado 3 discos oficiales y uno autoproducido y autoeditado, ahora vuelven con su más reciente trabajo: Calling the shots. Once nuevos temas con toques nuevos y el sonido TEA predominando en cada una de las canciones. En este nuevo CD, la banda nos muestra su versatilidad musical una vez más, con temas como Break All These Chains (aka Reggae), Bring Back That Feeling (Slow Blues), See See Baby (puro rock & roll), Understand (hard rock en estado puro), Down By The River (disco groove + rock & roll). Tonight (rock blues rock).

3 mother funkers - Música para caminar con estilo (2004)

2008-05-28T19:36:00.000-07:00

01 - Intro
02 - Mofofunk
03 - Struttin'
04 - Street Styler
05 - Latina
06 - Strip-Hop
07 - Chunk
08 - Hell, Yeah!
09 - Summersong
10 - Llevame A Tokio
11 - D'jam

3MotherFunkers es un proyecto de Funk-Jazz con influencias en el blues, hip-hop, soul, pasando por ritmos latinos y ritmos electrónicos interpretados de forma acústica. Radicado en Guadalajara, el grupo está influenciado por los sonidos modernos de los bares de acid jazz de NYC y Nuevo Orleans, lo cual da como resultado una música llena de cadencias rítmicas y rica en improvisaciones sublimes.
El proyecto es encabezado por Alejandro “Kruppa” Saat Cobián, bajista y compositor principal del grupo. Cuenta con la participación de músicos distinguidos de la escena musical tapatía, incorporando elementos como una sección de metales, guitarra, batería, tornamesas y percusiones, entre otros instrumentos. En poco más de seis años de trayectoria el grupo se ha logrado posicionar en el gusto del público tapatío y la crítica especializada tras romper las barreras entre el jazz y el funk, sirviendo como plataforma de lanzamiento para el nuevo movimiento del funk-jazz en Guadalajara.
Sus integrantes Alejandro “Kruppa” Saat en el bajo, Diego Masciarelli en batería y programaciones y en el organo Omar Ramírez. Hasta el momento tienen dos excelentes discos, Mùsica para caminar con estilo y Porn.

Scott Lavender - The Piano Iron Maiden Tribute (2005)

2008-05-28T19:18:00.000-07:00

1.Two Minutes To Midnight (6:32)
2.Wasted Years (5:10)
3.Can I Play With Madness (3:45)
4.The Trooper (4:53)
5.Brave New World (5:03)
6.Run To The Hillis (3:49)
7.Caught Somewhere In Time (5:54)
8.Aces High (4:45)
9.Hallowed Be They Name (6:54)
10.Flight Of Icarus (3:55)
11.Number Of The Beast (6:01)
12.Eddie's Larent (4:48)

Interesante trabajo del pianista Scott Lavender editado en el 2005, donde le rinde homaneje Iron Maiden interpretando los clásicos de la banda solo con piano.

Albert King With Stevie Ray Vaughan - In Session (1999)

2008-05-28T08:16:00.000-07:00

01 Call It Stormy Monday
02 Old Times
03 Pride 'N Joy
04 Ask Me No Questions
05 Pep Talk
06 Blues At Sunrise
07 Turn It Over
08 Overall Junction
09 Match Box Blues
10 Who Is Stevie
11 Dont Lie To Me

Cuando a Albert King le propusieron grabar con SRV aquel no sabía de quién le estaban hablando. Nada más verlo, en cambio, lo reconoció, no como la nueva estrella de la guitarra que era, sino como Little Stevie, el chico que siempre merodeaba por los alrededores cada vez que King tocaba cerca de Austin. Y es que el señor King era una de las máximas influencias de este tejano loco que era SRV. Esta sesión, grabada el 6 de diciembre de 1983 para una cadena privada de Ontario, es la única grabación conjunta que se les conoce. No publicada hasta 1999 en CD es una joya que merece escucharse. La banda es la que por entonces acompañaba al maestro: Tony Llorens (piano, órgano), Gus Thornton (bajo) y Michael Llorens (batería).

The Beatles - Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967)

2008-05-27T22:20:00.001-07:00

01. "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" – 2:04
02. "With a Little Help from My Friends" – 2:46
03. "Lucy in the Sky with Diamonds" – 3:30
04. "Getting Better" – 2:49
05. "Fixing a Hole" – 2:38
06. "She's Leaving Home" – 3:37
07. "Being for the Benefit of Mr. Kite!" – 2:37
08. "Within You Without You" (George Harrison) – 5:07
09. "When I'm Sixty-Four" – 2:37
10. "Lovely Rita" – 2:44
11. "Good Morning Good Morning" – 2:43
12. "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (reprise)" – 1:20
13. "A Day in the Life" – 5:33

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) fue el octavo disco del grupo británico The Beatles. Es considerado la producción de rock más influyente de todos los tiempos por muchos críticos; la revista Rolling Stone lo colocó a la cabeza de su lista de «Los Mejores Discos» en 2003.

Inmediatamente después de salir a la venta, se convirtió en una sensación popular. Innovador en muchos sentidos, desde la estructura hasta las técnicas de grabación, influyó en casi todos los trabajos de los géneros pop y rock que se hicieron después.

Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin es un precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales. Fue, además, un éxito de ventas y popularidad. Incorporó técnicas muy novedosas en el mundo de la música.

La idea central del álbum, sugerida por Neil Aspinall consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper.

El disco comienza con ruido proveniente de un público expectante que explota con los primeros riffs de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco: «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band». El resto de la canción es una mezcla de guitarras, cornos y voces de los cuatro Beatles.

Después de ese tema, sin pausa ni silencio intermedio, empieza «With a Little Help from My Friends», cantada por el baterista Ringo Starr — una oda a la amistad con una contagiosa sensación de esperanza y un respiro entre las estridentes guitarras de la primera canción y la psicodelia de la tercera:

«Lucy in the Sky with Diamonds» de Lennon, con una letra que nos traslada a un mundo donde todo puede suceder. La psicodélica melodía fue alterada al extremo que se piensa que cada nota está con una velocidad superior o inferior a la anterior. Se ha especulado que sus iniciales - LSD - coinciden con la droga que los Beatles consumían, aunque John ha afirmado tantas veces que el título era el de un dibujo de su hijo, que probablemente fuera una casualidad. Según John Lennon la idea de este mítico tema surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian. El niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, Julian le dijo a su padre «Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds» («Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes»).

«Getting Better» es otro de las canciones que cambian las estructuras básicas del rock para transformarlas en algo totalmente nuevo. Con sus arreglos de sonido y su particular y constante guitarra, este tema es un canto a la felicidad y esperanza de cambio. En este título se aprecia, en la letra, el contraste de las actitudes de Lennon y McCartney. Se dice, según los mismos Beatles, que «Getting Better» era una frase muy repetida por Jimmy Nicol, el baterista que suplió a Ringo Starr en la gira del verano de 1964.

«Fixing a Hole», parece haber sido influido por la década de los 20 o de los 30, aunque posee también algo nuevo e innovador, como la combinación de guitarras y teclado y la capacidad de McCartney de alternar entre armonías, al igual que en el siguiente tema.

«She's Leaving Home», una bella pieza musical en la que nos vemos envueltos, de la mano de cuerdas clásicas y arpas, en el dolor de una joven que abandona su hogar. Los Beatles se colocan en el lugar de la chica, no sólo de los padres. Es comparada por algunos críticos con grandes obras de la música clásica. Se dice que la idea de componerla surgió de una noticia que contaba la historia de una chica que se fugó de su hogar para poder vivir con su novio, pero la verdadera historia no duró mucho tiempo ya que la joven volvió a su hogar a la semana siguiente.

El sonido de la siguiente canción, «Being for the Benefit of Mr. Kite!», nos traslada a un gran circo, con enanos, acróbatas y hasta un caballo que baila el vals; con clavicordios, órganos, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon, tiene posiblemente una de las mejores atmósferas jamás creadas por un productor. Cuando Lennon explicó a George Martin el ambiente que quería crear para esta canción le dijo: «Quiero oler el serrín»

«Within You Without You» es al estilo hindú de la mano de George Harrison, con su sitar y acompañamiento de violines recorriendo escalas orientales mientras con su voz ensoñada nos habla de Dios, de las personas y del amor.

«When I'm Sixty Four», una obra típica de McCartney, muestra una historia sobre el amor eterno, aunque con un aire de cabaret, dado por las flautas, que la hace única e inconfundible, sin dejar de ser puramente naif. Esta canción fue escrita por McCartney en su adolescencia, interpretada con frecuencia en el Cavern Club y grabada en este álbum.

«Lovely Rita» es un pop renovado en contraste con la canción anterior, con excelentes arreglos pianísticos y hermosas voces de McCartney y Lennon. Este tema contiene un misterioso mensaje aludiendo a la supuesta muerte de Paul McCartney. El mito de la muerte del músico decía que éste murió en un accidente de automóvil un miércoles a las 5 (por eso muchas de sus canciones hacen alusión a este día y esta fecha), no notó que el semáforo había cambiado por estar mirando a una inspectora de parquímetros (a las que normalmente se las llamaba Meter maids). Este mensaje se encuentra en la última canción del álbum, y relacionado con la portada de "Abbey Road" dio lugar a la leyenda de la muerte de McCartney y su reemplazo por William Campbell (de nombre artístico Billy Shears).

«Good Morning Good Morning» que comienza con un gallo anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción un tanto rara, como demasiado acelerada. Fue ideada por Lennon a partir de un aviso de cereales de maíz Kellogs, una conocida marca identificada por un gallo. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales que aparentemente se comen unos a otros. Escuchamos caballos, hasta incluso una turba persiguiendo a una zorra. Con el ruido del un diapasón pasamos a la próxima canción.

Casi llegando al final, el Reprise de la primera canción tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más rápida, sumando además una guitarra que la hace inconfundible y mantiene un ritmo rockero.

Para terminar: «A Day in the Life», una obra de arte creada tanto por Lennon como por McCartney, un bis basado en un collage, noticias tomadas en un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz nasal y soñadora de John, permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que se va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva desde el acorde de Sol mayor (en el que está la melodía de Lennon) hasta llegar con las notas más agudas posibles al acorde de Mi mayor para abrir el tema compuesto por McCartney. Ninguno de los músicos encargados en lograr este efecto debía prestar atención a lo que hacían los demás, sólo debía elevar la tonada lo más que pudiese en 26 compases. El despertador que se oye al finalizar este divisorio no es accidental. Su función era avisar a Paul McCartney cuándo debía comenzar a cantar. La cantidad de instrumentos no era suficiente para lograr el efecto deseado. Por eso la grabación fue superpuesta cuatro veces con leves diferencias de tiempo. De esta forma parecía una orquesta de 160 instrumentos siendo de sólo 40. El resultado final suena como el despegue o aterrizaje de un reactor, pared de ruido que súbitamente se corta por un reloj despertador. Los sentidos se aclaran en la voz límpida y clara de McCartney hasta que de repente nos sumergimos en un sueño más profundo aún que el anterior; la voz de Lennon se debate flotante entre la marea de una orquesta wagneriana, grandiosa, gigantesca. Otra vez estamos en medio de un sueño y otra vez el ruido del despegue o aterrizaje, una explosión y el abismo, con una nota de piano que parece interminable, con la que concluye la canción.

Al final del disco un ruido de baja frecuencia y luego unos ruidos de voces extrañas que se desvanecen en el silencio, segundos de galimatías aparentemente invertidos, nos hacen intuir un mensaje oculto. En realidad éstas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco, siempre vacío y así evitar que la gente que no tenía tocadiscos automático escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el ultimo surco vacío. Incluso se escucha una hoja que se cambia de página y una voz diciendo: «Shhh!».

También se ha especulado con que el trozo exento de música contiene sonidos que sólo pueden oír los perros.

Sgt. Pepper no destacó sólo por su música, sino por el concepto y la portada diseñada por el artista pop Peter Blake: una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Aleister Crowley, Bob Dylan, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés «Tin Tan» aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía. También aparecerían Karl Marx, Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero se cambió ya que poco antes Lennon dijo la frase de «más populares que Cristo» y era mejor no ofender a hindúes, judíos y cristianos.

Muchos creen que la portada contiene un mensaje oculto sobre la supuesta muerte de McCartney, ya que en la parte inferior de ellos parece haber una tumba adornada con flores y un bajo (también hecho de flores) mirando al lado izquierdo (ya que Paul es zurdo) y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle. Muchas especulaciones se han hecho, a parte de que sobre su cabeza está la palma de una mano abierta (como en muchos otros álbumes) y en la contraportada está dando la espalda como en señal de irse.

Además, fue el primer disco que se vendió con las letras de las canciones impresas. Aunque se quiso evitar esto, poco se pudo hacer, ya que las letras eran propiedad intelectual de los Fab four. Esto fue debido a la reunión que mantuvo John Lennon en Almería, durante el rodaje de Cómo gané la guerra, con Juan Carrión, profesor de inglés en una academia de Cartagena, quien le pidió que le facilitara letras de canciones de los Beatles, ya que era y sigue siendo uno de sus medios de enseñar la lengua inglesa.

El álbum causó sensación en su época y sigue causándola, manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos. En septiembre de 2003, este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.

Riff - En vivo Obras (1985)

2008-05-27T20:18:00.000-07:00

01 - Ruedas de metal
02 - Ex Terminator
03 - La espada sagrada
04 - Elena X
05 - Mucho por hacer
06 - Dios devorador
07 - Necesitamos mas accion
08 - Apiadate de el, señor
09 - Parece que viene bien
10 - Macadam 3...2...1...0...
11 - No detenga su motor
12 - Susy cadillac
13 - La espada sagrada
14 - Ex terminator
05 - Necesitamos mas accion

Hubo un par de breves reuniones en 1995. Una fue al final de la presentación de Pappo's Blues como soporte de los Rolling Stones, y la otra como soportes de Motorhead en La Plata. Ambas fueron grabadas en el disco Riff en vivo.

En 1996 AC/DC llega a la Argentina presentando "Ballbreaker" en River y Riff desempeña el papel de telonero. Entre uno de los temas tocados se encuentra una larga interpretación de "Ruedas de Metal".

El último disco de estudio, Que Sea Rock, fue editado en 1997. Participan del festival Monsters Of Rock con Queensrÿche, Whitesnake y Megadeth. Por otra parte, Pappo actúa de sí mismo en la novela Carola Cassini, al final de la cual aparece Riff.

A partir de este punto, Pappo alterna su tiempo entre Riff y Pappo's Blues. Se puede mencionar que algunos medios señalaron luego de los Atentados del 11 de septiembre de 2001 que los mismos se asemejaban a la letra del tema Pantalla Del Mundo Nuevo del disco Contenidos de 1983, y poco después de eso Riff se reunió para dar un recital en Obras.

La última presentación de Riff fue en los primeros días de 2005, en el festival Cosquín Rock, con una formación algo diferente de la clásica, ya que el lugar de la segunda guitarra fue ocupada por Nicolás Bereciartúa, hijo de Vitico.

Pappo murió el 25 de febrero de 2005 en un accidente andando en moto en la ruta, al caerse de la misma y ser atropellado por un auto.

Pretty Things - S.F. Sorrow (1968)

2008-05-27T19:49:00.000-07:00

01 - S.F. Sorrow is born
02 - Bracelets of fingers
03 - She says good morning
04 - Private sorrow
05 - Ballon Burning
06 - Death
07 - Baron Saturday
08 - The journey
09 - I see you
10 - Well of destiny
11 - Trust
12 - Old Man Going
13 - Loneliest Person
14 - Defecting Grey
15 - Mr. Evasion
16 - Talkin' about the good times
17 - Walking through my dreams

Los Pretty Things son uno de esos fantásticos grupos que, tras brillar en el circuito de R&B londindense de los años 60, supo evolucionar de manera creativa hacia sonidos psicodélicos de entidad, dejando para la posteridad uno de los grandes discos del estilo lisérgico y la primera ópera-rock de la historia, “S. F. Sorrow” (1968).

El grupo se creó en la Inglaterra de comienzos de los 60. Fue impulsado por Dick Taylor (nacido el 28 de enero de 1943), el ex componente de unos primerizos Rolling Stones, que tras dejar a sus antiguos compañeros decidió unirse como guitarrista al cantante y armonicista Phil May (nacido el 9 de noviembre de 1944), al guitarra rítmico Brian Pendleton, al bajista John Stax y al batería Viv Prince para crear los excitantes The Pretty Things.

Su primera opción musical era el R&B, más o menos lo que hacía los primeros Stones. En Fontana Records debutarían con el single “Rosalyn”, un tema de Jimmy Duncan y Bill Farley que no consiguió las ventas deseadas, llegando hasta el número 41 en la lista de ventas británica. Más tarde sí ampliarían sus miras comerciales con “Don’t bring me down” (número 10) o “Honey I need” (número 13).

Estas piezas pueden ser encontradas en su LP debut, “The Pretty Things” (1965), un óptimo ejemplo de su enérgico R&B que llegó al puesto 5 en la lista de LPs británicos.
En el disco, producido en principio por Jack Baverstock y culminado por Bobby Graham, sonaba la batería de Prince, quien dejaría pronto el grupo, y de Skip Allan, quien se haría definitivamente con las baquetas de la banda.

“Get the picture” (1965) fue otro fenomenal álbum de R&B que contenía los singles “Cry to me” (número 28), “Midnight to six man” (número 46) y “Come see me” (número 43). Lamentablemente las ventas no fueron tan significativas como en el anterior trabajo y el sobresaliente trabajo de los Pretty Things no fue recompensado popularmente, en especial en su mejor época psicodélica.
Después de “Get the picture” se produjeron las bajas de Pendleton y John Stax y las altas del bajista y vocalista Wally Allen y el teclista, percusionista y vocalista John Povey.

“Emotions” (1967), con el single “Children”, fue una obra de inflexión debido a la amplitud de miras sónicas del grupo, alejándose de sus inicios, y las orquestaciones de Reg Tisley que contenía. Este álbum, el último en Fontana y el primero en ser compuesto ya en totalidad por el grupo, fue la antesala de su obra maestra sumergida en ácido y editada en Columbia, “S. F. Sorrow” (1968), un álbum, inspirado por los experimentos de los Beatles, en el que sonaba la batería de Twink, quien poco después dejaría de colaborar en el grupo.

En sus surcos piezas producidas por Norman Smith como “S. F. Sorrow is born”, “Bracelets of fingers”, o el sencillo “Private sorrow”, con la cara b “Baloon burning”.
En reediciones posteriores en CD añadieron algunas de las mejores canciones de los Pretty Things encontradas también en singles del momento. Entre ellas joyas como “Defecting grey”, “Mr. Evasion”, “Talking about the good times” o “Walking through my dreams”.

En su época estas ácidas grabaciones del grupo no encontraron respaldo popular pero estos discos ya se han convertido en clásicos del rock.

La continuación de “S. F. Sorrow” sería otro sobresaliente disco a pesar de la marcha de Dick Taylor, “Parachute” (1970), un LP, de nuevo con los Fab Four como ascendencia, editado en Harvest y presentado con el magnífico single “The good Mr. Square”, co-escrito entre Phil May y Wally Allen. Otros singles de este período, no encontrados en el LP original pero sí en las reediciones, son “October 26” y “Stone-hearted Mama”. En el disco estaba presente el guitarrista Peter Tolson.

Después de la carencia de ventas de este disco el grupo planteó su retirada. Así, se deshizo la formación durante un tiempo para retornar en la Warner con varios cambios, como la entrada del bajista Stuart Brooks y la salida de Allen. Grabaron “Freeway madness” (1972), un álbum con tendencias más hard y progresivas. Entre sus cortes destacan “Love is good” o “Havana bound”.

Dos años después y en el sello Swan Song, el de Led Zeppelin, publicarían sin demasiada fortuna “Silk Torpedo” (1974), LP continuado por “Savage eye” (1976), discos que poco tenían que ver con la etapa gloriosa del grupo. Después de este Lp Phil May dejaría la banda y ésta rompería poco después.

En los años 80 se reunirían para grabar sin fortuna “Cross talk” (1980). Más tarde proseguirían con nuevos proyectos, como reunirse con los Yardbirds o recrear de nuevo el “S. F. Sorrow”. Su último trabajo en estudio es “Rage…Before Beauty” (1999).

Rob Zombie - Past, Present, Future (2003)

2008-05-27T09:22:00.000-07:00

1. "Thunder Kiss '65" (White Zombie) – 3:54
2. "Black Sunshine" (White Zombie) – 4:49
3. "Feed the Gods" (White Zombie) – 4:30
4. "More Human than Human" (White Zombie) – 4:28
5. "Super-Charger Heaven" (White Zombie) – 3:37
6. "I'm Your Boogieman" (White Zombie) – 4:27 (KC and the Sunshine Band Cover)
7. "Hands of Death (Burn Baby Burn) (w/Alice Cooper)" – 4:12
8. "The Great American Nightmare (w/Howard Stern)" – 3:54
9. "Dragula" – 3:42
10. "Living Dead Girl" – 3:22
11. "Superbeast" – 3:40
12. "Feel So Numb" – 3:53
13. "Never Gonna Stop (The Red Red Kroovy)" – 3:10
14. "Demon Speeding" – 3:44
15. "Brick House 2003 (w/Lionel Richie & Trina)" – 3:48 (The Commodores Cover)
16. "Pussy Liquor" – 4:46
17. "Blitzkrieg Bop" (Ramones Cover) – 2:43
18. "Two-Lane Blacktop" (Previously Unreleased) – 3:02
19. "Girl on Fire" (Previously Unreleased) – 3:29

Rob Zombie es un músico de hard rock/heavy metal e industrial, director de cine y escritor. Su estilo vocal y su fascinación con las películas clase B lo han ayudado a convertirse en un elemento distintivo en la música heavy metal norteamericana. Rob Zombie es más conocido como el fundador, vocalista principal, escritor y caricaturista de la banda White Zombie. En años recientes se ha establecido como solista y director. Su carrera de director comenzó con las cintas de terror, House of 1000 Corpses, y su secuela Los renegados del diablo, lanzada el 22 de julio de 2005.

Rob Zombie nació con el nombre Robert Cummings el 12 de enero de 1965 en Haverhill, Massachusetts). Como sus padres trabajaban en una feria, Rob y su hermano Michael crecieron en la ruta, y ambos compartían intereses por la contracultura, las películas clase B, las películas del oeste y los cómics de fantasía. Esto probablemente los ayudó a definir sus gustos musicales.

Rob Zombie ha sido por mucho tiempo fanático de The Ramones, Alice Cooper, los pioneros del Heavy Metal británico Black Sabbath, Judas Priest y muchos otros. Los estilos de estos músicos continuan siendo una fuerte influencia para él hasta la actualidad.

Ambos hermanos fueron al colegio, pero Rob lo abandonó para perseguir ideas diferentes. Rob comienza a trabajar como técnico de Pee Wee's Playhouse. Fue durante este período cuando conoció al que sería su futuro compañero de banda en White Zombie Sean Yseult.

Amon Amarth - Fate Of Norns (2004)

2008-05-26T18:48:00.000-07:00

01. An Ancient Sign Of Coming Storm
02. Where Death Seems To Dwell
03. The Fate Of Norns
04. The Pursuit Of Vikings
05. Valkyries Ride
06. The Beheading Of A King
07. Arson
08. Once Sealed In Blood

Amon Amarth es una banda de death metal (en sus inicios más cercanos al Grindcore) con temática vikinga que procede de la ciudad de Tumba, en Suecia. Fué formada en 1992 y su nombre significa "Monte del Destino" en Sindarin (una de las lenguas de la Tierra Media creada por J. R. R. Tolkien).

Inicialmente el nombre de la banda era Scum, pero en 1992 pasó a ser Amon Amarth. Grabaron dos maquetas, Thor Arise, en 1993, y The Arrival of Fimbul Winter, en 1994; auto-editaron mil unidades de la segunda, que consiguieron vender en menos de doce horas. Con la salida de su álbum Once Sent from the Golden Hall en 1998, su popularidad creció a nivel internacional y desde entonces han dado varias giras, han publicado dos videoclips y aparecido en alrededor de cien revistas especializadas.

Los cinco miembros del grupo son conocidos porque sus canciones están basadas en la mitología nórdica, con letras muy fieles a lo tratado en la misma. De hecho son una de las bandas mas influyentes dentro del viking metal.

Immortal - Battles in the North (1995)

2008-05-26T15:40:00.000-07:00

01 - Battles in the north
02 - At the hails of eternity
03 - Through the hails of eternity
04 - Moonrise fields of sorrow
05 - Cursed realm of the winterdemons
06 - Throned by Blackstorms
07 - Grim And Frostbitten kingdoms
08 - Descent into eminent
09 - Circling above in time before
10 - Blashyrk (Mighty Ravendark)

Immortal es una banda de black metal, fundada en Bergen (Noruega) en el año 1989, por Olve Eikemo y Harald Nævdal. Sus letras han estado mayormente influenciadas por la majestuosidad del invierno.

En sus comienzos, Immortal se inició como una banda de death metal llamada Amputation. Para 1989, Demonaz, principal guitarrista, decide armar una nueva banda con la ayuda de Abbath, vocalista y bajista de Old Funeral. Después, con la incorporación de otro integrante, Armagedda, en la batería, lanzan su primer demo llamado "Unholy Forces of Evil" en el año 1991, y un año después, lanzan su primer larga duración titulado "Diabolical Fullmoon Mysticism", un disco con un aire del death metal imperante en la época: brutalidad y velocidad.

Se dice que Euronymous, guitarrista de Mayhem, fue el responsable de la incursión de Immortal en la escena del black metal en Noruega; pues, en el año 1993 lanzan su segundo L.P. titulado "Pure Holocaust". Este disco, repleto de temas brutales y sin ningún tipo de adornos musicales, es considerado por muchos como el álbum más técnico y mejor elaborado, en toda la escena black metalera, hasta el presente. Para la grabación de este disco entra "Grim" (Erik Brødreskift), en la batería, aunque, realmente fue Abbath quien toco la batería durante las grabaciones.

Mientras Noruega era sacudida, aun, por las fuertes acciones producidas por el Inner Circle, para el año de 1995, graban su tercer larga duración: "Battles In The North". En "Battles In The North" se puede apreciar el nivel de habilidad existente en Abbath y en Demonaz, en líneas generales el disco les abrió las puertas al mundo musical, fuera de Noruega, ya que lograron afianzar su propio sonido: seco e invernal.

Ya, en 1997, y con Horg en la batería, lanzan el disco "Blizzard Beast", en el cual dan un paso atrás, ya que el sonido de esta placa los hace aparentar a Morbid Angel, con una atmósfera más death metal que en sus anteriores discos. Lamentablemente luego de grabar "Blizzard Beast", Demonaz se ve en la obligación de retirarse, debido a una tendinitis en su brazo que le impedirá tocar; a partir de ahí Demonaz se queda en la banda, solo en las letras y el apoyo moral.

"At The Hearth Of Winter" es el siguiente trabajo de Immortal, en este álbum participan solamente Abbath, que del bajo pasa a la guitarra y Horgh en la batería; Demonaz apoya con las letras. En este álbum se puede apreciar un desarrollo notable en cuanto a estilo y técnica en los compositores; en temas como "Whinstand The Fall Time" y "Where Dark And Light Don't Differ" se puede apreciar el afianzamiento del sonido seco e invernal que siempre ha caracterizado a estos noruegos. Durante este periodo, la banda sufre algunos cambios en la alineación; pasando desde Ares (Aeternus, Gorgoroth) hasta Iscariah (Necropoghia, Wurdulak, Dead To This World); este último participarían en las grabaciones de los albums "Damned in Black" 2000 y "Sons Of Northen Darkness" 2002.

2003 seria el ultimo año para Immortal; después de la partida de Iscariah y la llegada de Saroth (Pain, Abemal, Velgemer) en bajo, la banda se dedicaría a un intenso trabajo en tours y presentaciones. Finalmente, y por decisiones personales de los miembros del grupo se decide dar fin a 13 años de carrera en Immortal, separándose en el mes de julio de 2003.

Sin embargo, para fortuna de sus muchos seguidores, en el año 2006 es anunciado el regreso de la banda, después de tres años de separación, siendo participes en grandes festivales como el Inferno Festival y el Wacken Open Air. Immortal ha hablado sobre el lanzamiento de un nuevo álbum para finales del 2007 o el próximo año, no obstante la banda ahora se concentra en las presentaciones para el año 2007.

Shakira - ¿Donde estan los ladrones? (1998)

2008-05-25T22:27:00.000-07:00

01 - Ciega, sordomuda
02 - Si te vas
03 - Moscas en la casa
04 - No creo
05 - Inevitable
06 - Octavo dia
07 - Que vuelvas
08 - Tu
09 - Donde estan los ladrones?
10 - Sombra de ti
11 - Ojos asi

Shakira Isabel Mebarak Ripoll de nombre artístico Shakira (Barranquilla, 2 de febrero de 1976) es una cantante, del género pop-rock de proyección internacional en español e inglés. En árabe Shakira (شكيرة) significa "llena de gracia". También tiene otras interpretaciones como "mujer agradecida" o "diosa de la luz".

Es una de las cantantes con más éxito internacional en la historia de la música latina. En la década de 1990 debutó en el mercado discográfico latinoamericano y de España con gran éxito. Su fama a nivel mundial llegó en el año 2001 con su álbum Servicio de Lavandería.

La artista ha vendido más de 50 millones de discos y ha sido ganadora en 2 ocasiones del Premio Grammy y siete veces ganadora del Grammy Latino.

¿Dónde están los ladrones? fue lanzado en septiembre de 1998, con un coste de producción cercano a los tres millones de dólares estadounidenses, y se estima que ha vendido hasta el momento mas de 8 millones de copias[cita requerida], extendiendo su fama a otros mercados y países como Francia, Suiza, Canadá y, especialmente, a los Estados Unidos, donde solo en ese país vendió más de 1 millón de copias. Fueron especialmente exitosos los sencillos "Ciega, Sordomuda", "Inevitable" y "Ojos así".

Virus - Agujero Interior (1983)

2008-05-25T22:14:00.000-07:00

01 - Autocontrol
02 - Buenos Aires Smog
03 - Carolina
04 - El probador
05 - Ellos nos han separado
06 - En mi garage
07 - Hay que salir del agujero interior
08 - Juegos postergados
09 - Los sueños de dracula
10 - Mundo enano
11 - Que hago en manila

Virus es una banda de rock argentina fundamental, dentro del género new wave de los años '80 en America Latina, liderada por Federico Moura hasta su muerte, en diciembre del 1988 a causa del VIH. Su hermano Marcelo tomó entonces el rol de vocalista principal y la banda continuó funcionando hasta fines de 1989.

Sus letras irónicas y divertidas, en las que con juegos de palabras se criticaba al rock nacional, se invitaba a sentir y divertirse, a dejar de pensar y hacer, sus composiciones con arreglos complejos, melodías pegadizas, la elogiada voz de Federico Moura y su carisma que lo consagró como talentoso frontman.

Virus lideró, junto a otras bandas como bacteria, la renovación musical en la Argentina que se dio tras la vuelta a la democracia en 1983. Su sonido inconfundiblemente new wave con fuerte uso de sintetizadores los alejaba bastante de la música que hasta ese momento se venía produciendo en la Argentina. Por esta razón, lograron acaparar tanto elogios como críticas de los medios masivos. Sus críticos los tildaron de "escandalosos", por la transgresión impuesta por el grupo, como en las letras en referencia al sexo.

Luego de la muerte del vocalista Federico Moura en 1988, los miembros restantes del grupo junto con Soda Stereo lo despidieron tocando Wadu-Wadu en La Casona de Lanús, uno de sus viejos éxitos.

En marzo de 1994, la banda volvió a juntarse para retomar sus actividades, continuando hasta el día de hoy sin recuperar su popularidad previa.

Algunos de sus temas más conocidos son Imagenes Paganas, Wadu Wadu, El rock en mi forma de ser, Hay que salir del agujero interior, Una luna de miel en la mano y Amor descartable.

Recientemente editaron Caja Negra, un registro en vivo de 2006 con colaboraciones de artistas influidos por la banda, como Ale Sergi (Miranda!), Adrián Dárgelos (Babasónicos), Pity Álvarez (Intoxicados) y Ciro Pertusi (Attaque 77). Todo esto sumado a cinco nuevos temas de estudio.

Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.

Para el año 1990 Daniel y Quique dejan la banda e ingresan de manera temporal Hilda lizarazu en coros y Fabian von quintiero en teclados. En 1994 Fue incluido Patricio fontana ex tecladista de limbo para el Reencuentro de virus, quedando como miembro estable de la banda.

Yes - Fragile (1971)

2008-05-25T21:55:00.000-07:00

01 - Roundabaout
02 - Cans and Brahms
03 - We have heaven
04 - South side of the sky
05 - Five per cent for nothing
06 - Long distance Runaround
07 - The Fish (schindleria Praematurus)
08 - Mood for a day
09 - Heart of the Sunrise

Yes es una de las bandas pioneras del rock progresivo, formada en 1968. Influidos en sus inicios por bandas precursoras del rock más experimental como The Beatles; The Who y The Moody Blues; más el estilo melódico Everly Brothers; y los multifaceticos Crosby, Stills & Nash (and Young). Rápidamente evolucionarían a un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un enigmático contenido onírico y poético.

Más duros y menos dramáticos que Genesis y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes marcaría la historia de tales clásicos como Fragile, Close to the Edge y Tales from Topographic Oceans.

Man Ray - Man Ray (1988)

2008-05-25T20:57:00.000-07:00

01 - Impracticidad
02 - Perdiendo el tiempo
03 - Extraño ser
04 - Ser turista
05 - Antes que yo
06 - Manhattan
07 - Te voy a fotografiar
08 - Hay confusion
09 - Uh! Tranquilizalo
10 - Salgamos a la calle
11 - Señal que te he perdido

Man Ray es un dúo que surge en 1987, esta integrado por Hilda Lizarasu (teclados y voz) y Tito Losavio (guitarra y voz), acompañados por Laura Gómez Palma (bajo) y Pablo Buratti (batería).
En 1988 se presentaron en el festival ¨De la Democracia¨ ante 150 mil personas, junto a Soda Stereo, Fito Páez, Spinetta, y otros. El mismo año salió bajo la producción de Andrés Calamaro su primer disco: ¨Man Ray¨ el hit de este fue ¨Todo cambia¨.
Después de un tiempo de recesión por otros proyectos paralelos de sus integrantes grabaron ¨Perro de playa¨ en 1992, vendiendo 30 mil copias antes de los 6 meses. El mismo contiene los temas: ¨Caribe Sur¨ y ¨Olvidate de mí¨.
¨Hombre rayo¨ (1994) fue el tercer trabajo, en el que colaboraron Fernando Lupano (bajo) y Fernando Samalea (batería). Incluye los temas ¨porque no me miras¨ y ¨Pasó un Angel¨.
En 1995 salió ¨Piropo¨, con el tema ¨El comisario Miguel¨, el album incluye diversos estilos como Pop, reggae, Murga, Rock y disco. Al próximo año surge ¨Asegebú¨ y en el 97 ¨Ultramar¨.
Su último disco fue ¨Larga distancia¨ en 1999.

Falkenbach - Ok Nefna Tysvar Ty (2003)

2008-05-25T19:44:00.000-07:00

01 - Vanadis
02 - ...As long as winds will blow...
03 - Aduatuza
04 - Donar's Oak
05 - ...The Ardent Awated Land
06 - Homeward Shore
07 - Farewell

Otro gran disco de Falkenbach

Falkenbach - ...Magni Blandinn Ok Megintiri (1998)

2008-05-25T18:45:00.000-07:00

01 - ... When Gjallarhorn Will Sound ...
02 - ... Where Blood Will Soon Be Shed...
03 - Towards The Hall Of Bronzen Shields
04 - The Heathenish Foray
05 - Walhall
06 - Baldurs Tod

Falkenbach cobra vida en 1989. En ese año lanza su primer demo. Visiblemente se podía adivinar el camino que iban a seguir. Elementos folk, himnos y cánticos. La banda editó 7 demos hasta que Vratyas Vakyas finalmente decidió producir el primer disco oficial. La ideología plasmada en sus letras es íntegramente pagana y basada en los mitos vikingos y su cosmovisión demostrando un marcado rechazo a las creencias cristianas.

Musicalmente Falkenbach es una fusión interesante de Black Metal calmado con toques Folk y ritmos que tienen más de 2000 años de antigûedad, que cobran vida en estos tiempos. El primer disco oficial de la banda se llamaría “Fireblade”, pero la grabación del mismo se vería dificultada por problemas de estudio y de sonido. Entonces el disco se retrasó hasta marzo de 1996, y salió finalmente bajo él título “En therir Medh Riki Fara”, grabado en los estudios Blue Horse.

Inmediatamente el disco capta la atención del sello Europeo Napalm Records y firman contrato con Vratyas. De ahí, el próximo lanzamiento fue “Magni Blandinn Ok Megintiri”, este álbum consagrò a Falkenbach y lo posicionó dentro de los grandes cultores del Metal Pagano ó Metal Vikingo en enero de 1998. Seis años después el 3 de noviembre de 2003 lanza su tercer álbum "Ok Nefna Tysvar Ty" un disco más maduro y rápido que el anterior pero sin perder el estilo que lo caracteriza. fue editado por primera vez en Sudamérica, en Argentina por Icarus Music. En noviembre del 2005 lanza por el momento su último disco: "Heralding - The Fireblade" este álbum fue grabado originalmente antes de "...Entheir medh riki fara" pero por la falta de equipamientos y de compromiso con el ingeniero la grabación se tuvo que parar y las canciones nunca se terminaron, el álbum contendrá 10 canciones y ahora si fueron grabadas en los estudios Tidalwave. En el 2006, fue lanzado un álbum homenaje llamado "Tribute - A Homage to Falkenbach". El tributo fue lanzado en dos partes, en cada parte se lanzo una cantidad limitada de 500 copias. El trabajo completo contiene 16 temas remezclados por 16 bandas entre ellas Eluveitie, Hordak, Hildr Valkyrie, Folkearth etc.

Hilda Lizarazu - Hormonal (2007)

2008-05-24T16:34:00.000-07:00

01 - D1os
02 - Viaje fantastico
03 - Hormonal
04 - La lluvia
05 - Palermo Hollywood
06 - Transmision
07 - Hace frio ya
08 - La Calma
09 - Noche de invierno
10 - Amenazas
11 - Niebla
12 - Buscando un simbolo de paz

Hilda Lizarazu nació en Curuzú Cuatiá, en la provincia de Corrientes. Durante su niñez vivió en Nueva York. En su adolescencia vivió en la Ciudad de Buenos Aires, realizando sus estudios secundarios en el colegio Dámaso Centeno del barrio de Caballito, al que también habían concurrido Charly García y Nito Mestre.

Se inició como cantante a comienzos de la década del 80, integrando diversos grupos. Luego integró Los Twist y Suéter. Fue corista de Charly García entre 1987 y 1993.

Entre 1988 y 1999 fue la principal vocalista y tecladista del grupo Man Ray, junto al guitarrista Tito Losavio, con quien formó pareja durante cinco años. Abondonó Man Ray después del disco Larga Distancia (1999) y se fue a vivir a Sinsacate, un pequeño pueblo en el norte de la provincia de Córdoba a modo de "retiro espiritual". En este período fue elaborado su primer disco solista Gabinete de Curiosidades, que vio la luz en 2004 y fue ganador del premio Carlos Gardel en la categoría "Mejor disco pop de cantante femenina".

Gabinete de Curiosidades fue editado por PopArt Discos y producido por ella misma. Cuenta con las colaboraciones de Miguel Botafogo, Roque Narvaja, Ciro Fogliatta, Black Amaya, Leo García, Fernando Lupano y Gringui Herrera, entre otros.

En el 2005 Lizarazu realizó una serie de shows: el ciclo Elegante Sport en el Club del Vino, donde presentó junto Charly García, León Gieco, Fabiana Cantilo y Ricardo Mollo nuevas canciones y versiones renovadas de sus temas clásicos. Poco después formó parte del ciclo Noche de Divas en el Cabaret del Faena Hotel. También presentó su álbum debut en el teatro ND/Ateneo y en La Trastienda.

Participó como artista invitada en el disco Inconsciente Colectivo de Fabiana Cantilo, BH+ de Bahiano, La tranquilidad después de la paliza junto a Francisco Bochatón, y Clásicos de Miguel Cantilo.

Además, protagonizó un rol de policía experto en la película Geisha Gang Bang (1995).

En 2007 editó a través de Leader Music su segundo disco, Hormonal, producido nuevamente por ella junto a Federico Melioli y Lito Castro. El primer corte de difusión fue D10S.

Actualmente el grupo está conformado por Hilda Lizarazu, Federico Melioli, Lito Castro, Amílcar Vázquez y Claudio Salas.

ZZ Top - Eliminator (1983)

2008-05-24T00:30:00.000-07:00

01 - Gimme all your lovin'
02 - Got me under pressure
03 - Sharp dressed man
04 - I need you tonight
05 - I got the six
06 - Legs
07 - Thug
08 - TV dinners
09 - Dirty Dog
10 - If I could only flag her down
11 - Bad girl

Eliminator es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense de hard rock ZZ Top, publicado en 1983. Es el álbum más exitoso de la banda al haber alcanzado la categoría de disco de diamante. Es el primer álbum de la banda desde ZZ Top's First Album que no posee un título relacionado con la cultura hispana de los EE.UU. Fue incluido en el puesto 396 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia según la revista Rolling Stone.

ZZ Top, cariñosamente conocido por sus fans como The Little Ol' Band from Texas, es un grupo estadounidense de blues rock y hard rock formado en 1970 en Houston, Texas. Los miembros del grupo son Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería). Tienen el mérito de ser uno de los pocos grupos de rock que todavía conserva sus miembros originales después de 38 años, además de haber mantenido al mismo manager y productor, Bill Ham.
Alcanzaron la cima de su éxito comercial en los 70 y los 80, pero todavía hoy continúan girando y lanzando discos. ZZ Top entró en el Rock and Roll Hall of Fame el 15 de marzo de 2004.
Gibbons y Hill también son famosos por las peculiares guitarras que utilizan, muchas de ellas codiseñadas con el maestro luthier John Bolin.
Prácticamente son tan famosos por su aspecto como por su música. Gibbons y Hill siempre son retratados llevando gafas de sol (un gesto a su canción de 1979 Cheap Sunglasses), ropa parecida (o en ocasiones idéntica), y sus larguísimas barbas. En 1984 la firma Gillette ofreció a Gibbons y a Hill un millón de dólares por afeitarse en un anuncio de televisión. Declinaron la oferta.

Charly Garcia - Parte de la Religion (1987)

2008-05-23T19:20:00.000-07:00

01 - Necesito tu amor
02 - Buscando un simbolo de paz
03 - Parte de la religion
04 - Rap de las hormigas
05 - Adela en el carrousell
06 - No voy en tren
07 - Rezo por vos
08 - El karma de vivir al sur
09 - Ella adivinó
10 - La ruta del tentemple

Éste es el disco número 8 de Charly García. Fue producido por el mismo Charly García y vio la luz en 1987. Este es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Momo Sampler (2000)

2008-05-23T18:54:00.000-07:00

01 - El templo de Momo
02 - Morta punto com
03 - La murga de los renegados
04 - Dr. Saturno
05 - La murga de la virgencita
06 - Pool, averna y papusa
07 - Murga purga
08 - Sheriff
09 - Pensando como una acelga
10 - Una piba con la remera de Greenpeace...
11 - Rato molhado

Décimo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, presentado en el año 2000. Sigue la línea de su antecesor, en donde la banda busca nuevos sonidos y formas para sus temas. Aparte de la influencia electrónica, también se reconocen vestigios de música celta, cuerdas y ritmos que recuerdan a las murgas. Como detalle, el albúm fue grabado íntegramente por el Indio Solari y Skay Beilinson, con la ayuda de Hernan Arramberri. El resto de la banda apenas participó de las grabaciones en el estudio.

Prologo del album

"Te prometemos que en la alegría y la risa del festival nadie osará dar una interpretación siniestra a tu repentina vuelta a la forma humana" APULEYO

Momo-Sampler: un carnaval de la emulación. Momo-Sampler: Uura

Camel - Snow Goose (1975)

2008-05-23T08:10:00.000-07:00

01 - The great marsh
02 - Rhayander
03 - Rhayander goes to town
04 - Sanctuary
05 - Fritha
06 - The snow goes
07 - Friendship
08 - Migration
09 - Rhayander alone
10 - Floght of the snow goose
11 - Preparation
12 - Dundkirk
13 - Epitaph
14 - Fritha alone
15 - La princesse perdue
16 - The great Marsh

Un famoso disco instrumental de la banda progresiva Camel, que se centra en transcribir musicalmente los ambientes y sensaciones que los personajes y las situaciones del cuento de Paul Gallico ("El ganso de las nieves") les transmiten, compartiendo sus impresiones emocionales con el oyente.

En el trayecto de este relato, producido por David Hitchcock, vamos conociendo los escenarios y caracteres, amoldados sonoramente con el talento instrumental del grupo, en especial la interacción entre Andy Latimer y Peter Bardens, que crean travesías de gran belleza atmosférica y notable tacto sensitivo, fundamentalmente los momentos de protagonismo de los instrumentos de viento y teclados, acrecentadas las piezas por unos loables arreglos orquestales de David Bedford.

El cuento de Gallico y el disco de Camel desarrolla la historia de Rhayader en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, un hombre solitario que vive en un faro ubicado en la costa de Essex, temido a causa de los prejuicios de sus vecinos.
Rhayader ayudará a un ganso herido con la ayuda de una niña llamada Fritha, que había encontrado al pájaro en una playa cercana a la solitaria residencia. Mientras el ave está recuperándose, la felicidad entre el terceto es constante.
Cuando el ganso se cure totalmente, éste se marchará del lado de Rhayader, al igual que la niña, regresando de nuevo la soledad a la vida de Rhayader.
Más tarde, Rhayader fallecerá luchando por su pueblo en la confrontación de Dunkirk, ante la presencia del ganso retornado, "La Princesse Perdue".
Camel saben desplegar y mixturar emociones distintas con su exposición musical, como tristeza, miedo, felicidad, incomunicación o júbilo, en un Lp que crece con cada nueva escucha, especialmente hermosas piezas como "Rhayader", "Friendship", "Migration", "Rhayader alone", "Fritha Alone" o la conmovedora "La Princesse Perdue".

Zakir Hussain - Makin' Music (1987)

2008-05-23T07:19:00.000-07:00

01 - Makin music
02 - Zakir
03 - Water girl
04 - Toni
05 - Anisa
06 - Snjog
07 - You and me
08 - Sabah

El intérprete de tabla india Zakir Hussein comenzó su carrera musical muy joven y pronto comenzó a aparecer junto a Ravi Shankar. En 1973 formó The Tal Vayda Rhythm Band, que más tarde se convirtió en The Diga Rhythm Band y colaboró con Mickey Hart (de The Grateful Dead) en su álbum homónimo de 1976. Hussein ha trabajado con numerosas estrellas occidentales como George Harrison, Van Morrison y Pharao Saunders y ha participado en la banda sonora de populares películas, como “Apocalipsis Now!”. Su álbum de debut en solitario, “Making Music”, apareció en 1987 con muy buenas críticas.

A. R. Rahman - Al Risalah

2008-05-23T07:09:00.001-07:00

01 - Marhaba Mustapha
02 - Ya Rasoole Khuda
03 - Kaun Hain Aap
04 - Habib Ullah
05 - Keh Rahi Hai Meri Saans
06 - Nabiyun Ke Nabi

Bueno no pude conseguir informacion de este artista pero me parecio copado compartir musica de todo tipo por eso lo subi espero q lo disfruten.

Domingo Patricio - Flauta Flamenca (2005)

2008-05-22T17:12:00.001-07:00

01 - Taranta
02 - Alegrias
03 - Tangos
04 - Rondeña
05 - Siguiriya
06 - Bulerias
07 - Solea por bulerias
08 - Fandangos
09 - Rumba
10 - Tanguillos

DOMINGO PATRICIO es un claro exponente de cómo la creatividad aplicada a la música puede dar lugar a combinaciones de resultados exquisitos.

La flauta travesera de Patricio y la música flamenca se unen de manera excelente y aportan nuevas tonalidades que muestran una nueva manera de ver el flamenco.

Actualmente Domingo Patricio es el flautista de la formación del guitarrista Paco de Lucia. Después de haber ofrecido su talento a músicos consagrados internacionalmente, como J.M. Cañizares, Vicente Amigo, Enrique Morente, Sara Baras y Pepe de Lucía, entre otros. Asimismo, ha participado con músicos americanos de fusión, como Mark Ledford y Will Calhum.

Domingo Patricio es uno de los flautistas mas relevantes e interesantes del panorama flamenco actual.

Tras unos inicios en el ámbito de la música clásica, debutando como solista en 1982 interpretando “Ill Cardellino” de Vivaldi junto a la Orquesta de Cámara del Liceo de Barcelona. Pronto se embarca en proyectos flamencos y jazzísticos iniciando su carrera profesional. De estos los más destacados son su militancia en los grupos de Jaleo, Juan Manuel Cañizares, Enrique Morente, Sara Baras y Mark Ledford.

Junto al guitarrista Diego Cortés formó parte del mítico grupo de fusión Jaleo.
Con el guitarrista Juan Manuel Cañizares participa en los discos “Noches de Imán y Luna” (Nuevos Medios 1997) como flautista y “Punto de Encuentro” (Emi 2000) como flautista y arreglista, y formando parte de su grupo en directo.

Sara Baras le requiere para formar parte de grupo, siendo además participe de la composición musical en los espectáculos “Sueños”.
La flauta de Domingo esta presente en los directos de “Misa Flamenca” y “Omega” del maestro Enrique Morente.

Una aventura jazzística es la que inicia junto al trompetista y cantante Mark Ledford (Pat Metheny Group), formando parte del grupo “Ultissimo” con Will Calhoun (Living Colors), Jim Anton, Melena Francis y Allen Hinds.

Sin olvidar las colaboraciones en el disco “Ciudad de las Ideas”(BMG 2000) de Vicente Amigo, en el disco “El orgullo de mi Padre”(Nuevos Medios 1996) de Pepe y Paco de Lucia, o en “Para que no se duerman mis sentidos” de Manolo García (ARIOLA 2004).

En el 2005 publica su primer trabajo discográfico en solitario. Disco producido por él mismo y Rafael Cortés; contando con la coproducción musical de Carles Benavent, y grabado, mezclado y masterizado por Klaus Dieter en Alemania.

Domingo se rodea de una formación de lujo: el bajista Benavent, el guitarrista Rafael Cortés y el percusionista Davis Huertas para ofrecernos diez tema flamencos en Mayúsculas.

En su conciertos, podemos disfrutar de un sonido único, dentro del flamenco con originales composiciones justamente interpretadas por su flauta travesera y los músicos que le acompañan.

Focus - Ship of Memories (1976)

2008-05-22T15:04:00.000-07:00

01 - P's March
02 - Can't Belive My Eyes
03 - Focus V
04 - Out of Vesuvius
05 - Glider
06 - Red Sky at Night
07 - Spoke the Lord Creator
08 - Crackers
09 - Ship of memories
10 - Hocus pocus (Us Single Version)

Focus es el nombre de una banda de rock holandesa, formada en 1969 por 4 músicos con formación musical clásica : el tecladista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver. Van Leer y Akkerman llevan el peso de la composición de las canciones, generalmente instrumentales. La banda se suele clasificar como de rock progresivo. Tuvo sus comienzos en 1969 en Amsterdam, con la conjunción del Thijs van Leer Trio y Jan Akkerman.

A comienzos de 1976, Jan Akkerman dejó Focus y continuó su carrera como solista, que había iniciado en 1973. Focus hizo un paréntesis hasta 1977. Durante ese período sólo se editó una compilación con material inédito, producida por Mike Vernon, titulada Ship Of Memories. Para muchos, Focus había perdido su impacto, su espíritu y su éxito. Como reemplazo de Akkerman ingresó el guitarrista de jazz-rock belga Phillipe Catherine. Se integraron también Steve Smith en percusión (había trabajado con Jean Luc Ponty, y posteriormente en Journey), Jons Pistoor (ex de Maggie McNeal) en teclados, Eef Albers en segunda guitarra y P.J. Proby en voces. En 1978Focus Con Proby, que incluía antiguo material no utilizado previamente, remezclado por el productor Mike Vernon, con las voces de Proby. El álbum recibió críticas negativas.

Jaja recibio criticas negativas... valorenlo ustedes el trabajo y opinen si quieren.

Camel - Camel (1973)

2008-05-22T09:06:00.001-07:00

01 - Slow yourself down
02 - Mystic queen
03 - Six ate
04 - Separation
05 - Never let go
06 - Curiosity
07 - Arubaluba
08 - Never let go (single version - originally released)
09 - Homage to the god of light (recorded live at marquee club - 29th octover 1974)

Camel es una banda británica formada en 1971. Pertenece al género musical del rock progresivo.

Camel fue concebido alrededor de 1964 cuando los hermanos Andrew e Ian Latimer se unieron junto a sus respectivos amigos Alan Butcher y Richard Over para formar The Phantom Four. En 1969, Andrew organiza THE BREW junto con Doug FERGUSON en el bajo y con Andy WARD en la batería. Para diciembre de 1971, CAMEL está formalmente compuesto por Peter BARDENS (teclados), Doug FERGUSON (bajo), Andy WARD (batería, percusiones) y Andrew LATIMER (guitarra, voz)".
En agosto de 1972, CAMEL firmó contrato con MCA Records, entrando a estudio para grabar su primera producción oficial. En medio de las grabaciones el productor Dave Williams les pide que contraten un cantante. Después de audicionar a casi 30 personas para el puesto deciden simplemente cantar ellos mismos, de ahí en adelante las canciones tendrán una vocalización bastante singular debido a las voces de Latimer y Bardens.
Considerada como una de las mejores bandas surgidas de la escena progresiva de la década de 1970, Camel experimentó con elementos propios del jazz, la música clásica, el blues e incluso la música electrónica, para crear albumes de notable creatividad y precisión técnica.
Su álbum de debut lanzado en 1973 con poco éxito es, sin embargo, uno de sus trabajos más representativos. Canciones como "Slow Yourself Down" o "Never Let Go" y números instrumentales como "Arubaluba", fueron perfilando el sonido singular del grupo.
En abril de 1975 editan el álbum "The Snow Goose" el cual es enteramente instrumental y está basado en la novela de Paul Gallico del mismo nombre. Aunque el propio escritor mostró su descontento pues los relacionó con la marca de cigarrillos - Gallico detestaba los cigarrillos - se trata de una obra magistral, probablemente la mejor de toda su carrera, por la riqueza de los arreglos y la precisión con la que son ejecutadas las 16 canciones del disco.
En los años siguientes albumes como "Moonmadness", "Rain Dances" o "Breathless" les darán éxito no solo en Europa sino también en Japón.
Para la década de 1980 solo Andrew Latimer seguirá en el grupo hasta su primera disolución en 1984 poco después de una gira presentando el álbum "Stationary Traveller". Esta gira quedo registrada en el álbum en vivo "Pressure Points".
A inicios de la década de 1990 Latimer volverá a usar el nombre de Camel aunque solo sea el único miembro fundador en el grupo. Así graba "Dust and Dreams" en 1992, un álbum conceptual basado en la novela "Las Uvas de la Ira" de John Steinbeck.
En los años posteriores editarán tres albumes más y numerosos discos en vivo y recopilaciones.

Kansas - Point Of Know Return (1977)

2008-05-22T07:32:00.000-07:00

01 - Point of Know return
02 - Paradox
03 - The spider
04 - Portrait (He Knew)
05 - Closet Chronicles
06 - Lightning's Hand
07 - Dust in the wind
08 - Sparks of the tempest
09 - Nobody's Home
10 - Hepelessly Human

KANSAS es probablemente el grupo clásico más importante y mayor representante del rock progresivo de los Estados Unidos.

Como muchos grupos de la década de los '70, KANSAS empezó como una banda de garaje. Afortunadamente para ellos, la mancuerna que lograron junto a Wally GOLD (su descubridor) y la originalidad de su propuesta hizo que, desde el lanzamiento de su primer álbum en 1974, el grupo se convirtiera en el protagonista de una serie de sucesos exitosos cuya extensión alcanzaría una trayectoria de más de 30 años: sus primeros ocho álbumes de estudio alcanzaron ventas que los colocaron como álbumes de oro, siendo "Leftoverture" y "Point of Know Return" (además del compilado "Best of") los más vendidos, alcanzando por seis ocasiones el reconocimiento de discos de platino. Su álbum en vivo "Two for the Show" alcanzó el disco de platino también, y el sencillo 'Dust in the wind' vivió durante 200 semanas el las listas de popularidad, mientras que 'Carry on wayward son' fue el tema que más se programó en radio de rock clásico en 1997. Conciertos con localidades agotadas por el norte de los Estados Unidos, Europa y Japón, un álbum con la LONDON SYMPHONY ORCHESTRA, un retorno triunfal de la alineación original con "Somewhere to Elsewhere" tras 20 años de no haber tocado juntos… en fin, una serie de sucesos que aún ahora los coloca como uno de los grupos de música rock más importantes de la historia.

Con un estilo musical mejor identificado como hard progresivo y rayando en el progresivo sinfónico, KANSAS puso tres conceptos de mucha calidad antes de obtener su disco "Leftoverture", el que les daría su merecida reputación, reconocimiento internacional y el inicio de una lucha de sonidos entre el bien y el mal. A partir de "Point of Know Return" parece imposible dejar de escribir una balada comercial y aunque algunas se volvieron inmortales y otras símplemente fueron buenas, nunca decidieron qué era más importante: si seguir por el camino áspero “de hacer y mantener un sonido diferente” o por el terso cuyos logros se agradecen al sonido comercial.

Dave Matthews Band - Remember Two Things (1993)

2008-05-22T06:28:00.000-07:00

01 - Ants Marching
02 - Tripping Billies
03 - Recently
04 - Satellite
05 - One Sweet World
06 - The Song That Jane Likes
08 - Seek Up
09 - I'll Back You Up
10 - Chrismas Song

Dave Matthews Band es una banda norteamericana de folk rock y jazz rock, formada actualmente por Dave Matthews (voz - guitarra), Boyd Tinsley (violín), Stefan Lessard (bajo), Carter Beauford (batería y percusiones) y Leroi Moore (juega con una amplia gama de instrumentos, como el saxofón y la flauta).

En noviembre de 1991, cuando Dave trabajaba en un bar de la ciudad, un abogado amigo suyo, Ross Hoffman, lo convencería de grabar un demo con las pocas canciones que Dave había escrito. Para ello contarían con al ayuda de un músico de jazz local, Carter Beauford. Luego contactarían a Leroi Moore, también músico de jazz de la ciudad, y le preguntaron si quería unírseles. Leroi respondió que sí, y los tres se juntaron a grabar improvisaciones. Luego, Moore se contactó con un joven bajista, Stefan Lessard, de apenas 16 años, para completar el demo. Peter Gresier, empleado del mismo bar de Dave, que también formaría durante algún tiempo parte de la banda, sería el siguiente en unirseles como tecladista, una vez en que el bar había quedado vacío debido a una inspección y la banda lo utilizó para practicar. La última vez que Peter estaría en un show con ellos sería en marzo de 1993. Boyd Tinsley fue el último en unirse a la banda. No contaba con mucho tiempo para ella ya que manejaba otras también. Aún así confirmó su participación al grabar junto con el resto de la banda, menos Peter, el demo. Boyd tendría tiempo completo para la DMB tan solo a mediados de 1992. Desde ahí empezerían con los trabajos más serios. Un miembro no reconocido de la banda es Butch Tylor, quien hace de tecladista, desde que Peter abandonó la banda.

El primer demo, que constaba de las canciones The Song That Jane Likes, Recently, y Triping Billies, estaría listo a principios de 1991, con la participación de todos los integrantes, excepto Peter. Boyd, sin embargo, solo participaría en Triping Billies.

Son muy abiertos respecto al estilo pasan tanto por Rock, Rock alternativo, Folk y Jazz.

Steven Seagal - Mojo Priest (2006)

2008-05-22T05:23:00.001-07:00

01 - Somewhere in between
02 - Love doctor
03 - Dark Angel
04 - Gunfire in a Juke Joint
05 - My time is numbered
06 - Alligator ass
07 - BBQ
08 - Hoochie Koochie Man
09 - Talk to my ass
10 - Dust my Broom
11 - Slow Dat Pretty
12 - She dat pretty
13 - Red Rooster
14 - Shake

Mojo Priest, contiene tanto clásicos del blues (Hoochie Coochie Man, Dust My Broom) como temas propios. Seagal interpreta los temas con una banda que comprende a las luminarias del blues Ruth Brown, Bo Diddley, James Cotton, Pinetop Perkins, Bob Margolin, Robert Lockwood Jr. y Hubert Sumlin.

La revista Big City Blues, de cuyo antiguo número Seagal fue tapa, señala que se trata de un guitarrista "excepcional" y que es "un músico natural y muy talentoso".

Air - 10.000 Hz Legend (2001)

2008-05-21T23:01:00.000-07:00

01 - Electronic performers
02 - How does it make you fell
03 - Radio #1
04 - The Vagabond (feat. Beck)
05 - Radian
06 - Lucky and Unhappy
07 - Sex Born Poison (feat. Buffalo)
08 - People in the city
09 - Wonder Milky Bitch
10 - Don't be Light
11 - Caramel prisioner

En 10.000 Hz Legend podemos encontrar canciones realmente extrañas; una experiencia recomendable para quien desea escuchar algo nuevo y bastante fuera de lo común.

Entre los sonidos extraños es posible apreciar impactantes voces computarizadas, en canciones que logran muy buenos y variados ambientes. Lo que realmente se puede catalogar como extraño es escuchar guitarras acústicas entre tanto sonido "artificial".

Un punto alto del disco es la canción How does it make you feel.

Air es una banda francesa de música electrónica, compuesta por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin. La banda se formó en 1995. Han sido altamente aclamados por la crítica, especialmente con su segundo LP llamado Moon Safari.

Aunque Air es considerado una banda de música electrónica o trip-hop, realmente su sonido se basa en sonidos de sintetizadores de artistas de la década de los 70 como Jean Michel Jarre y Vangelis. Otras influencias citan a la banda psicodélica Pink Floyd, los músicos de Krautrock Tangerine Dream y el músico francés Serge Gainsbourg. Ocasionalmente incluyen toques de jazz.

Traffic - Mr Fantasy (1967)

2008-05-21T20:12:00.000-07:00

01 - Heaven is in your mind
02 - Berkshire Poppies
03 - House for everyone
04 - No face, No name, And no number
05 - Dear Mr Fantasy
06 - Dealer
07 - Utterly Simple
08 - Coulored Rain
09 - Hope I Never Find Me There
10 - Giving to you

Los británicos Traffic se convirtieron tras Spencer Davis Group en el segundo vehículo para el lucimiento del joven instrumentista Steve Winwood, quien, influenciadoo por la psicodelia y la expansión sonora llevada a cabo por los Beatles, y acompañado de competentes músicos como Dave Mason, Chris Wood y Jim Capaldi, publicaron a finales de 1967 este importante primer álbum que combinaba con destreza la experimentación psicodélica con piezas de carácter blues-rock, retazos progresivos de improvisación jazzística y ejercicios de composición melódica cercanos al barroquismo.

La lisergia del grupo se halla principalmente en la escritura de Mason, autor de destacados cortes como "House for everyone" y "Hope I never find me there", el blues-rock se plasma en temas como "Dear Mr. Fantasy" o "Heaven is in your mind", que los acercan a coetáneos suyos como el trío Cream, las piezas jazz se ejemplifican en "Giving to you", y los notables cortes melódicos acompañados de una barroca instrumentación, entre las que se escuchan flautas, órganos, mellotron, saxo o harpsicordios, nos regalan fantásticas canciones como "Dealer", "Coloured Rain", y sobre todo la hermosa y emocionante balada "No face, no name, no number".

El disco fue producido por el futuro colaborador de los Rolling Stones, Jimmy Miller.

Gentle Giant - Octopus (1972)

2008-05-21T18:31:00.000-07:00

01 - The advent of panurge
02 - Raconteur, troubadour
03 - A cry for everyone
04 - Knots
05 - The boys in the band
06 - Dog's Life
07 - Think of me with kindness
08 - River

Gentle Giant es considerada una de las bandas de rock progresivo más originales y eclécticas de los años setentas del siglo XX. Fue formada en 1970 en Inglaterra por los hermanos Shulman, después de que se disolviera su grupo anterior, Simon Dupree and the Big Sound, en 1969. Junto con Gary Green, Kerry Minnear y varios bateristas, grabaron doce álbumes a lo largo de los años 70. El grupo se disolvió en 1980.
Sus primeras grabaciones tendieron a ser más eclécticas y experimentales. En 1974, cuando ya tenían más seguidores en los Estados Unidos, comenzaron a simplificar sus composiciones para poder ganar mayor audiencia. Los discos The Power and the Glory y Free Hand subieron del lugar 50 de popularidad en ventas en los Estados Unidos.
Para 1977, cuando la moda tendía más hacia la música Punk y la New Wave, el grupo eligió simplificar todavía más su música para hacerla más comercial. En 1979 la banda se mudó a los Estados Unidos para grabar el disco Civilian, después del cual se disolvieron.

Informacion de Wikipedia

The Philosopher kings - Famous, Rich & Beutiful (1996)

2008-05-21T14:31:00.001-07:00

01 - Hurts to love you
02 - I am the man
03 - You stepped on my life
04 - You don't love me (Like you used to do)
05 - Little Rosie
06 - Oleo
07 - The end
08 - Super sugar supreme
09 - Head first
10 - The new messiah
11 - You're allowed
12 - Cry
13 - Wide awake
14 - Dinah

The Philosopher Kings es una banda canadiense de R&B y se hicieron conocidos comercialemente en 1990.

Harold Land - The Fox (1959)

2008-05-21T11:13:00.003-07:00

01 - The Fox
02 - Mirror Mind Rose
03 - One Second, Please
04 - Sims A Plenty
05 - Little Chris
06 - One Down

Harold Land (Houston, 1928) es uno de los grandes saxofonistas tenores de los años sesenta. Su saxofonista favorito era John Coltrane, pero su forma de tocar y su sonido no se parecía en nada a él. Nacido en Texas, pasó sus primeros años en San Diego (California) antes de trasladarse a Los Ángeles, donde en 1949, hace su debut discográfico para el sello Savoy.

En 1954 ingresó en el legendario quinteto del trompetista, Clifford Brown y el baterista, Max Roach. Con ese legendario combo, estuvo hasta mediados de 1955 cuando por razones familiares tuvo que regresar a Los Ángeles. Dueño de un sonido elástico e ideas originales, Harold Land, fue el saxofonista mas representatitivo del bebop en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Entre 1956 y 1958, trabajó para la formación del bajista, Curtis Counce, con quien grabaría para el sello Contemporary, dos álbumes memorables, y en 1959, grabó para el mismo sello, su obra maestra, el álbum: "The Fox" un disco extraordinario con la colaboración del trompetista, Dupree Bolton y el compositor y pianista, Elmo Hope.

Ya en la década de los sesenta ingresó en la formación del vibrafonista, Bobby Hutcherson, (1967-1971) y entre 1975 y 1978 en el grupo del trompetista, Blue Mitchell. Harold Land, continua en activo en la Costa Oeste de los Estados Unidos y está dedicado, además de tocar en festivales y conciertos varios, a la formación musical de su hijo, un pianista con mucho futuro.

Pink Floyd - The piano tribute to Pink Floyd

2008-05-21T06:36:00.000-07:00

01 - Comfortably Numb
02 - Wish you were here
03 - Shine on you crazy diamond
04 - Money
05 - Good bye blue sky
06 - Pigs on the wing
07 - Have a cigar
08 - Hey you
09 - Us and them
10 - Mother
11 - Brain Damage Eclipse
12 - Sail On the Steel Breeze

Bueno este es un disco que encontre de temas de pink floyd tocados instrumentales en piano... espero q lo disfruten.

King Crimson - Red (1974)

2008-05-20T22:32:00.000-07:00

01 - Red
02 - Fallen Angel
03 - One more red nightmare
04 - Providence
05 - Starless

Red es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo King Crimson, el cual fue lanzado en 1974.

Antes de la edición de este álbum, el violinista David Cross dejó la banda, aunque aparece en "Providence" (improvisación de 8 minutos grabada en vivo en la ciudad norteamericana del mismo nombre, que aparece en el álbum en vivo The Great Deceiver, aunque esta versión es 2 minutos más corta) y en "Starless", la canción de 12 minutos que cierra este álbum. La pista titular es un instrumental de 6 minutos compuesto por el líder de la banda Robert Fripp (partes de este tema fueron removidas y usadas más tarde en "VROOOM VROOOM", canción del álbum THRAK). Hay que destacar el regreso del miembro fundador Ian McDonald para una aparición en "Starless". "Fallen Angel" fue la última vez que Fripp tocó la guitarra acústica en un álbum de King Crimson.

El sonido de Red es muy rockero en comparación a los álbumes de la primera época de la banda. Red es usualmente considerado uno de los mejores esfuerzos de la banda, y fue su último álbum en 7 años, ya que la banda de separó tras el mismo para volver en 1981, pero con una alineación y un estilo completamente diferentes.

Informacion de wikipedia.

Salif Keita - Moffou (2002)

2008-05-20T21:18:00.000-07:00

01 - Yamoke
02 - Iniagige
03 - Madan
04 - Katolon
05 - Souvent
06 - Moussoldu
07 - Baba
08 - Ananaming
09 - Kolkou
10 - Here

Salif Keita, nacido el 12 de agosto de 1949, es un reconocido cantante y compositor del pop africano. Este músico procedente de Mali es conocido como La Voz de Oro africana. Por otro lado, es descendiente directo del fundador del Imperio de Mali, Sundiata Keita.

Keita nació en la ciudad de Djoliba. Fue marginado por su familia y apartado de su sociedad por ser albino, signo de mala suerte en la cultura mandinga.

En 1984 Keita se trasladó a Paris para alcanzar a una mayor audiencia. Su música combina ritmos tradicionales de África Occidental e influencias de Europa y América, a la vez que mantiene un estilo general islámico. A nivel instrumental también se ve reflejada esta combinación, con la inclusión de balofonos, yembes, koras, organos, saxofones y sintetizadores.

Keita ha triunfado en Europa como uno de los grandes cantantes africanos, pero su obra ha sido criticada por su tendencia al caos y la improvisación musical.

Informacion de Wikipedia.

Bob Marley & The Wailers - The Best

2008-05-19T09:03:00.000-07:00

01 - Go tell it on the mountain
02 - Soul Shakedown party
03 - MrBob Marley - Chatterbox
04 - Hold on this feeling
05 - Hold on this feeling (version)
06 - Sugar, Sugar
07 - Can't you see
08 - MrBob Marley - Chatterbox (alternate version)
09 - Soon Come
10 - Soon Come (version)
11 - Stop the train
12 - Soul Captive
13 - Cheer Up
14 - Give me a Ticket (alternate version)

Robert Nesta Marley (nacido en Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica el 6 de febrero de 1945 y muerto en Miami el 11 de mayo de 1981), más conocido como Bob Marley, fue un músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Su fe fue una parte importante de su carrera y ahora es considerado por muchos como un profeta del Rastafari.

AC/DC - Back In Black (1980)

2008-05-19T08:47:00.001-07:00

01 - Back in black
02 - Given The Dog A Bone
03 - Have a drink on me
04 - Hell Bells
05 - Let me put my love into you
06 - Rock and role ain't noise pollution
07 - Shake a leg
08 - Shoot to thrill
09 - What do you do for money honey?
10 - You shook me all night long

AC/DC es un grupo de hard rock formado en Sydney, (Australia), en 1973 por los hermanos escoceses Malcolm y Angus Young.

Desde el principio, se hicieron famosas sus "explosivas" actuaciones en directo, gracias (en parte) al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, siempre vestido con uniforme colegial en los conciertos. En 1976, se trasladaron a Gran Bretaña (los hermanos Young habían nacido en Glasgow) e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas con discos como Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978), a los que siguieron If You Want Blood You've Got It (1978) y el disco Highway to Hell (1979), del que se vendieron millones de copias. En febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por consumo excesivo de alcohol y fue sustituido por Brian Johnson, quien pertenecía al grupo Geordie.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe, de John McTiernan e interpretada por Arnold Schwarzenegger; alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker y en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde.

Muerte de Bon Scott (1980)

Cuando todo parecía ir muy bien (eran éxito en ventas en Europa y los Estados Unidos), la desgracia les cayó una noche, en la que estaban parando en Londres.

Ese 19 de febrero de 1980, perdieron a su vocalista. La causa de su fallecimiento, fue una intoxicación etílica. Scott bebió de más en un club nocturno de Londres llamado "MusicMachine" (mejor conocido como "Camden Palace", y luego renombrado como "The KOKO"), su intimo amigo Alistair Kinnear, lo llevó a descansar en el automóvil de éste último, estacionado frente al número 67 de Overhill Road en East Dulwich, en la zona sur de la ciudad.

A la mañana siguiente, Kinnear llevó a Scott al hospital King's College en Camberwell, donde fue pronunciado muerto. La autopsia determino que Bon Scott murio ahogado en su propio vomito.

La familia de Scott, despidió sus restos en el cementerio de Fremantle, (Perth). El lugar a donde ellos habían emigrado cuando Bon era chico.

Guns n' Roses - Apetite For Destruction

2008-05-18T20:51:00.000-07:00

01. Welcome to the Jungle 4:32
02. It's So Easy 3:21
03. Nightrain 4:26
04. Out Ta Get Me 4:20
05. Mr. Brownstone 3:46
06. Paradise City 6:45
07. Think About You 3:49
08. Sweet Child O' Mine 5:54
09. You're Crazy 3:16
10. Anything Goes 3:25
11. Rocket Queen 6:14

Appetite for Destruction fue el disco debut de la banda de rock Guns N' Roses en el año 1987.

El álbum fue un número uno, tanto en Estados Unidos como en el mundo entero, vendiendo cerca de 25 millones de copias.

"Welcome to the Jungle", "Paradise City", y "Sweet Child O' Mine" son las canciones más reconocidas y que caracterizan más a menudo a esta banda, las cuales han influenciado la escena de la música popular en los Estados Unidos, además de servir de inspiración a numerosos covers.

Se trata del álbum de debut más vendido de la historia. Solamente en Estados Unidos vendió cerca de 15 millones de copias. Esto fue un año después de lanzado, ya que en el primer año había vendido solamente 500 mil discos, en 1987.

La razón era que la cadena MTV se había negado a mostrar videos de la banda, porque la cubierta original del disco, basado en una pintura de Robert Williams, mostraba un robot violador, lo cual fue considerado ofensivo por la cadena televisiva. La banda cambio entonces la cubierta, y puso la original dentro del disco, mostrando ahora un crucifijo con los cráneos de los cinco miembros de la banda, algo así al estilo de las portadas de los álbumes de Grateful Dead. Esto no fue suficiente para MTV, y la cadena continuó con su bloqueo. Finalmente, David Geffen, entonces presidente de Geffen Records, llamó a MTV y rogó que mostraran el vídeo de "Welcome to the Jungle". MTV accedió a mostrarlo solo un domingo a las 2 de la madrugada. La canción llegó a ser la canción más solicitada en MTV en solo 24 horas.

En el 2001, la revista Q nombró "Appetite for Destruction" como uno de los 50 Álbumes Más Heavys de todos los tiempos. En el 2003, la cadena televisiva VH1 lo nombro como el Álbum Número 42 de todos los tiempos.

La canción Welcome to the Jungle inspiró la obra teatral de denuncia social del mismo nombre del escritor antártico Sergio Salvatierra de 1988.
Informacion de Wikipedia

Buenos Aires Cafe (The Instrumental Tango)

2008-05-18T20:12:00.000-07:00

El tango es un estilo musical y una danza rioplatense, propio de las ciudades de Buenos Aires, Montevideo y Rosario,[1] de naturaleza netamente urbana y renombre internacional. Musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de cuatro cuartos (a pesar de que se le llama «el ritmo del dos por cuatro»). Clásicamente se interpreta mediante orquesta típica o sexteto y reconoce el bandoneón como su instrumento esencial.

La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja. Las letras están compuestas con base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor», que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el blues, sin que ello obste para el tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y políticas.

Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila

El deseo sexual, sublimado en sensualidad, y la tristeza o melancolía, derivada de un estado permanente de insatisfacción, son los componentes centrales del tango. En sus orígenes esos sentimientos afloraron de la dura situación de millones de trabajadores inmigrantes mayoritariamente varones, solitarios en una tierra extraña, acudiendo masivamente a los prostíbulos, donde el sexo pago acentuaba «la nostalgia de la comunión y del amor, la añoranza de la mujer» y la evidencia de la soledad. El tango emergió así de un «resentimiento erótico» masivo y popular, que condujo a una dura reflexión introspectiva, también masiva y popular, sobre el amor, el sexo, la frustración y finalmente el sentido de la vida y la muerte para el hombre común.

En el curso del siglo XX y con la importancia que adquirió la sexualidad y la introspección, así como una visión existencial y menos optimista de la vida, el tango desarrolló sus componentes básicos como una expresión artística notablemente relacionada con la problemática del hombre contemporáneo. Ernesto Sábato reflexiona que la reunión en el tango de componentes marcadamente "existenciales" con el temple metafísico, es lo que hace de esta danza o estas canciones una expresión artística singular en todo el mundo.

Informacion de wikipedia

Millencolin - Pennybridge Pioneers

2008-05-07T00:20:00.000-07:00

01 - No Cigar
02 - Fox
03 - Material Boy
04 - Duck Pond
05 - Right About Now
06 - Penguins & Polarbears
07 - Hellman
08 - Devil Me
09 - Stop to think
10 - The Mayfly
11 - Highway Donkey
12 - A-Ten
13 - Pepper
14 - The Ballad

Millencolin es una banda de punk sueca formada en Örebro, en octubre de 1992. Sus miembros fundadores son Nikola Sarcevic (bajo y voz principal), y los suecos Erik Ohlsson (guitarra) y Mathias Färm (guitarra). El baterista Fredrik Larzon se uniría al grupo a comienzos de 1993. El nombre Millencolin deriba del truco de Skate "Melancholy"

Los álbumes de la banda son distribuidos en Estados Unidos por el sello Epitaph Records, mientras que en el resto del mundo quien se encarga de hacerlo es la casa discográfica sueca Burning Heart Records. Tras su primer álbum, Same Old Tunes, con la mayoría de componentes sin haber traspasado la barrera de los 20 años, se confirmaron como uno de los grupos punteros del hardcore melódico, posición que reforzaron tras la publicación de álbum Life on a Plate. Tras la publicación de su 4º disco, Pennybridge Pioneers, su popularidad en el mundo punk aumento. Más tarde publicaron el controvertido Home From Home, con un claro cambio de tendencia hacia el rock.

Discografía

Álbumes completos

* Goofy (1992)
* Melack (1993)
* Same Old Tunes (1994)
* Life on a Plate (1995)
* For Monkeys (1997)
* The Melancholy Collection (1999)
* And The HI-8-Adventures (1999)
* Pennybridge Pioneers (2000)
* The vans warped Tour (2000)
* Home from Home (2002)
* Ray (2005)
* Kingwood (2005)
* machine 15 (2008)(aun por comercializar)

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Skid Row - The Best

2008-05-06T11:00:00.000-07:00

01 - Youth gone wild
02 - 18 And Life
03 - Piece of me
04 - I remember you
05 - The treat
06 - Psycho love
07 - Monkey bussines
08 - Quicksand Jesus
09 - Slave to the grind
10 - Forever
11 - Big guns
12 - Sweet little sister

Skid Row es una banda estadounidense de Hard Rock y Heavy Metal, que llegó a transformarse en los prototipos de la banda de rock en la escena del metal de finales de los años 1980. Esta banda fue una de las pocas que no fue eclipsada por el movimiento grunge a principios de los años 90.

La agrupación se formó en 1986 en Toms River, Nueva Jersey. Su alineación inicial consistía en Matt Fallon (voz), Dave "The Snake" Sabo, Scotti Hill (guitarras), Rachel Bolan (bajo) y Rob Affuso (batería). Más tarde se uniría a la agrupación el vocalista Sebastian Bach, reemplazando a Fallon. La banda empezó tocando en clubes en la parte oriental de los Estados Unidos. Asistido por su amigo Jon Bon Jovi, Sabo aseguró un contrato para Skid Row con la disquera Atlantic Records en 1988, entonces entraron al estudio con Michael Wagener (productor de Ozzy Osbourne, White Lion y Extreme fame, entre otros) para grabar su primer disco.

Skid row, lanzado en enero de 1989, fue un éxito instantáneo. Produjo los reconocidos singles "18 and Life", "I Remember You", y "Youth Gone Wild". La banda se vio envuelta también en algunos incidentes, especialmente la disputa legal en la que se vieron envueltos sus miembros por regalías al mencionado Jon Bon Jovi y al guitarrista Richie Sambora.

Skid Row, volvió al estudio con Atlatic en 1990, para grabar su segundo álbum. Slave to the Grind, lanzado en junio de 1991, debutó en el puesto No. 1 en las listas norteamericanas. Slave to the Grind se convirtió en un éxito, sobre todo por temas como "Monkey Business" y "Wasted Time". Skid Row una vez más sale de gira, esta vez junto a Guns N' Roses en 1991, y realizando una aparición en el festival Donington en 1992.

Miembros actuales

* Johnny Solinger - voz (1999 - presente)
* Scotti Hill - guitarra (1987 - presente)
* Dave Sabo - guitarra
* Rachel Bolan - bajo
* Dave Gara - batería, (2004 - presente)

Antiguos miembros
* Matt Fallon - voz
* Rob Affuso - batería, percusión (1987 - 1996)
* Phil Varone - batería (1999 - 2004)
* Sebastian Bach - voz (1987 - 1996)
* Steve Brotherton - guitarra
* Kurtis Jackson - guitarra
* Max Arancibia - batería
* Tim DiDuro - batería
* Keri Kelli - guitarra

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Fine Young Cannibals - The Raw And The Cooked

2008-05-06T00:27:00.000-07:00

01 - She drives me crazy
02 - Good thing
03 - I'm Not The Man I used to be
04 - I'm not satisfied
05 - Tell me what
06 - Don't look back
07 - I'ts OK (It's Alright)
08 - Don't let it get you down
09 - As hard as it is
10 - Ever fallen in love

Fine Young Cannibals es un grupo británico, formado en Birmingham, en el año 1984; son de estilo musical Rock y Soul.
Sus integrantes fueron : Roland Gift en la voz, David Steele en guitarra y Andy Cox en el bajo.
Sus éxitos más importantes en Europa y en los charts de Estados Unidos, son She Drives Me Crazy, Good Thing y Don't Look Back.
Se separaron en 1992, y Roland Gift sigue su carrera profesional como actor.

Discografía

* 1985: Fine Young Cannibals
* 1989: The Raw & The Cooked
* 1990: The Raw And The Remix
* 1996: The Finest
* 2006: The Platinum Collection

Informacion de Wikipedia

Lupin the third III - Jazz Increible

2008-05-03T12:22:00.000-07:00

Un poco de jazz no le viene nada mal a nadie y este grupo es exelente, es la banda de sonido de una espectacular serie animada que trata sobre el gran lupin un agente secreto.

Buena musica, buena web.

Intoxicados - Otro dia en el planeta tierra (2005)

2008-04-25T07:16:00.001-07:00

01 - Niña del tilcara
02 - Nunca quise
03 - Las cosas que no se tocan
04 - Fuiste lo mejor
05 - Una señal
06 - Te la vamos a dar
07 - Fuego
08 - Necesito
09 - Sr kiosquero
10 - Reggae para Mirtha (Legrand)
11 - Transan
12 - Hermano tolueno
13 - Espero que la vida
14 - Duermete niño

Hacia fines del año 2000 Cristian "Pity" Álvarez, tras la separación de su ex grupo Viejas Locas, decide formar una nueva banda junto a Abel Meyer en batería, Adrián "Burbujas" Perez en teclados y Ezequiel Rodríguez en armónica, todos ex compañeros y amigos de la banda formada en el barrio Piedrabuena. A este proyecto se sumaría Jorge Rossi en bajo, que hacía poco tiempo había dejado Los Gardelitos y Felipe Barrozo, un adolescente para el momento, que hacía las veces de bajista en Legendarios, pero que en este caso tomaría el lugar de guitarrista. Los primeros ensayos se darían durante el verano del año siguiente sumándose finalmente a la formación Favio Cuevas en percusión y Victor Djamkotchian en saxo. Dichos integrantes darían forman al grupo INTOXICADOS.

El primer show se daría para tan sólo unos pocos amigos en el ya desaparecido Mocambo de Haedo, donde tocaron algunos de los nuevos temas que venían ensayando y conociéndose más aún para la primera presentación que sería unos meses más tarde. Esta misma no se hizo esperar demasiado, el 26 de mayo de 2001 la banda daría su primer show oficial en el mítico Cemento para unas 2500 personas que colmaron la capacidad del lugar. El show daría inicio con "Intoxicado" y tras un extenso set, en el que presentaron 11 nuevas canciones y algunos clásicos de VL como "Homero", "Lo artesanal" y "Descansar en paz", cerraría con "Quieren rock?", que empezaría a sonar meses más tarde como primer corte del disco que se grabaría entre julio y septiembre de ese año y que en el mes de noviembre saldría a la venta bajo el nombre de "Buen día".

Durante el 2002 se realizarían varias presentaciones en Capital Federal y alrededores, como ser El Teatro de Colegiales, Cemento, Hangar de Liniers, Salón Cervecero de Quilmes, Liverpool de Pilar, El Teatro de La Plata, El Galpón de Hurlingham, como así también las primeras giras por el interior, la cual durante una de las mismas se llevaría a cabo la filmación del video de "Se fue al cielo" en el sur del país.

Informacion tomada de Wikipedia.

Guillermo Vadalá - Bajopiel (2004)

2008-04-25T06:23:00.000-07:00

01 - Bajopiel
02 - L.A.
03 - Baires
04 - Vodoo
05 - Willie
06 - Encontrado
07 - Samba a elian
08 - Funky tao
09 - Iris
10 - South people
11 - Para siempre

Guillermo Vadalá es uno de los mejores bajistas Argentinos de todos los tiempos, para muchos el mejor...
De extensa trayectoria integra la banda de Fito Paez y editó su primer álbum solista, "Bajopiel", recién en el 2004, en el género de funk-fusión.
El disco está integrado por once canciones compuestas y arregladas por el propio Vadalá y grabadas en Circo Beat y en Los Angeles. Participaron músicos de la talla de Mono Fontana, Fito Páez, Hugo y Osvaldo Fattorusso, Lito Epumer, Juan Cruz Urquiza y Jota Morelli, entre otros.

informacion extraida de http://mondobajo.blogspot.com

Viejas Locas - Especial (1999)

2008-04-25T03:35:00.000-07:00

01 - Estamos llegando
02 - Todo sigue igual
03 - Me gustas mucho
04 - Una espina en el ojo
05 - Homero
06 - Que vas a hacer tan sola hoy?
07 - Una vez mas
08 - Legalizenla
09 - Excusas
10 - Se que lo atraparé
11 - 638
12 - Niños
13 - Descanzar en paz
14 - Una piba como vos
15 - El arbol de la vida

Imaginense un barrio lleno de edificios donde la musica que predomina es el rock, donde unos amigos tienen ganas de armar una banda de rock and roll... La historia comienza en un del colegio Comercial Nº 2 de Villa Lugano, en el sur de la ciudad de Buenos Aires. Donde, entre un recreo y el otro, tres pibes de barrio gestaron la idea de armar una bandita para pasar el tiempo. "Siempre decíamos que cuando tuviésemos una banda le íbamos a poner Viejas Locas, porque mi apodo al final resultaba divertido" cuenta Mauro Bonom, primer cantante de la banda. La primera formación de Viejas Locas era así: Mauro Bonome (voz), Bachi (bajo) y Diego Cantoni (guitarra). Con esta formación la banda comienza a realizar covers de los Rolling Stone y de Pink Floyd. Todos pertenecian a Piedrabuena, un complejo de monoblocs que se encuentra entre Mataderos y Lugano pegado a Ciudad Oculta, en donde la mayoria de los pibes transcurrian sus dias entre el colegio, parar con los amigos y descubrir el mundo del arte en el Centro Cultural Juan Carlos Castagnino. Estos tres adolescentes obviamente estaban busca de un batero. Buscando se toparon con Cristian (Pity) Álvarez, quien hacia seis meses que estaba aprendiendo a tocar la guitarra y andaba buscando una banda donde tocar la viola. De esa forma empezaron a tocar, pero les hacia falta un batero, y ahí es cuando Pity llevo un amigo, Gastón Mancilla, que ocupo ese lugar vacío. Viejas Locas debuta en Acatraz el 3 de noviembre de 1990. Donde Pity empezo a destacarse entre los integrantes, ya que era él que hacia la mayoría de los temas. El quinteto hizo su debut en vivo con dos temas propios: "Buey" y "Descansar en paz". Hicieron un laburo de boca en boca para juntar esa noche a 60 personas. Ya se evidenciaba que el liderazgo estaba en manos del Pity. Este se encargba desde el primer momento de escribir las letras. Durante los años siguientes hicieron doce fechas. Llegaron un par de veces a Cemento, otras a La Luna y unas pocas a Shangai. Casi se produce la separación, debido a que los tres fundadores se desinteresaron del proyecto para direccionar sus vidas hacia otros horizontes, asi fue el caso de Mauro Bonome, Bachi y Diego Cantoni. Pero Pity no se desalento y asi fue que fue incorporando nuevas personas a la banda. Todos fueron entrando por amigos o por los mismos pibes de la banda: -A Pollo lo trajo el bajista , Bachi el cual todavia no había dejado la banda, que era del mismo barrio. Cuando se fue Bachi a Fachi lo trajo el Pity, que en su oportunidad ya habían zapado juntos. Fachi tenia un laburo, por el cual conocia a la madre de Abel, el cual se integro a la banda. Lo curioso es que sin saberlo, El Pollo y Abel sin conocerse ya seguian a la banda por lo cual con esta propuesta aceptaron inmediatamente. Pero todavía faltaba un cantante, probaron a varios pero como ninguno los convencia entonces fue Pity quien agarro el microfono. Mas tarde ingresaron como integrantes estables Peri (Armonica), Juancho (Saxo) y Burbujas (Piano). A partir de entonces fue como comenzar de nuevo. Circularon por pubs pequeños compartiendo escenarios con otras bandas. De esa manera se sumaron fechas hasta que llegaron a tocar en el Viejo Correo. Las letras, como ya se menciono, en su mayoria son de Pity, que cuenta: "Es natural en mi hacer las letras. Es un flash, porque no podess programar hacer una letra para la gente, hacer un tema pensando en algo. Es algo que pinta. A veces, estoy durmiendo y se me ocurre un re-tema y por no levantarme, cuando me lavanto ya me lo olvide. Estas son sencillas, pocas comparaciones, ninguna metafora, son bien directas, historias que las entendemos rapido."

Lo social les preocupa, no tanto lo politico, las letras son sociales, de cosas que te pasan en la calle.

La popularidad de Viejas Locas crecio gracias al "boca a boca" y a la creatividad nacida de un bajo presupuesto. Como las pintadas con aerosol y una nueva estrategia publicitaria, barata y efectiva: pegar calcomanias junto al timbre de los colectivos. Todavia hoy hay estampadas en los 155, 180 y 126 que salen de Mataderos: Viejas Locas R n'R. También planearon otras formas de atraer mas seguidores al grupo, entonces cargaban todos los domingos con sus equipos para actuar gratis en el Parque Centenario.

Ya para 1993, tras haberse presentado en varias ocasiones en el desaparecido local La Cueva, los dueñoos los convocaron junto a otras bandas para que participaran de un compilado que se llamdo "Una noche en La Cueva". Los temas con los que participa Viejas Locas son: "Eva" (con una versión algo cambiada a la que todos conocemos) y "Tirado en la estación", tema que no se encuentra en ninguno de los tres discos que la banda posee hasta el momento. Esto fue para la banda una mala movida , porque firmaron un contrato y después estuvieron mucho tiempo y por medio de abogados lograron rescindirlo.

Pero Viejas Locas siguio tocando y en 1994 grabaron un demo que repartían gratis en los shows de Die Schulse, Museo Rock y New Order. Esa forma de publicidad los favorecia, porque los pibes escuchaban los casetes, se los pasaban a sus amigos y asi se fue haciendo, de a poco, una pequeña pero creciente legión de seguidores. En uno de los tantos shows que el grupo ofrecia en Capital Federal, los vio en vivo un representante del sello discográfico Polygram (el mismo que llevo a La Renga a esa discográfica). Se quedo impresionado por la quimica que se establecia entre la banda y su publico. Este los contrato para la multinacional y así fue como aditaron su primer disco.

Entran a grabar a mediados de ese año mas o menos pero el disco recién sale a principio de 1996. El titulo del CD debut es "Viejas Locas", en donde se destacaron el corte "Intoxicado", "Nena me gustas asi" y el hit "Lo Artesanal". Mientras grababan este disco llevaban 600 personas a Club X y tocaban en Cemento solos, e inclusive los invitaron a tocar en un evento importante como el de los 30 años de rock nacional, el 8 de noviembre de ese año Cuando salia el disco ya habían pasado 8 meses y ya lo estaban tocando de otra manera. La producción artística estaba integrada por Néstor vetere y Amilcar Gilabert; el Técnico de grabación también fue Amilcar Gilabert; Asistente de grabación Gastón Gilabert, grabado en los estudios SONAR

Los shows continuaron y cada vez aumentaba mas la cantidad de público que seguía a la banda. Hasta que en 1997 entraron nuevamente a un estudio de grabación para registrar los nuevos temas y darle forma a lo que sería "Hermanos de Sangre", el segundo trabajo de Viejas Locas. Para este disco se baraja la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor, cosa que finalmente no sucedio. El primer tema de "Hermanos de Sangre" que sono en las radios fue "Perra" del se hizo un video. También se hizo un video de otro de los temas que fue difundido: "Aunque a nadie ya le importe". Este es un gran video que pinta a la perfección el sentimiento del tema.

Con "Hermanos de Sangre" la popularidad de la banda aumenta mas y se le presenta a Viejas Locas una gran posibilidad: tocar como soportes de los Stones. Cuando se supo que Los Rolling Stones volverian a tocar en Buenos Aires todo el mundo pensó que los Ratones Paranoicos serían nuevamente los teloneros. La cuestión fue que los Ratones no cerraron el tema dinero con la productora (ellos querían más de lo que se les ofrecía), así inmediatamente se pensó en Viejas Locas. Participaron como teloneros en cuatro de los cinco shows que los stones dieron en River, además en estas presentaciones estrenaron un set de vientos. Ser soportes de los stones les permitia poder ser vistos y escuchados por mucha gente, que tambièn pudieron apreciar el show de trapos y bengalas que se daba en los recitales de Viejas Locas en Cemento. Luego de esta satisfactoria experiencia y dieron un show gratis en Quilmes para todos los seguidores que no pudieron pagar la entrada para estar en River. Este recital marca el record de asistencia en un show de Viejas Locas: 10.000 personas. Antes de entrar a grabar el tercer disco de la banda, se produjo otro gran acontecimiento que esperan todas las bandas de rock en la Argentina: tocar en Obras. Al show asistieron algo mas de 5.000 personas, y conto con la prticipación en guitarra de Chizzo de La Renga. Además estrenaron"Legalizenla", un tema a favor de la legalización de la marihuana que seá incluido en el tercer disco.

Después del debut en Obras , vuelven a meterse en un estudio para grabar "Especial" que contba con el prestigioso productor Nigel walker. El disco salia a fines de marzo y el tema elegido como primer corte de difusión, "Me gustas mucho", fue un exito que llego a estar al tope del ranking de la Rock and Pop. El exito de "Me gustas mucho" le dio mas difusión a la banda, que pudo realizar una gira por el sur del pais y también visitar paises limitrofes como Paraguay. Al volver la banda se vuelve a presentar en Obras ante mas de 6.000 personas. Nuevamente esta presente Chizzo de La Renga en el tema "Botella". Con las imagenes de este recital se hace un video del tema "Me gustas mucho". Mas tarde se vuelve a hacer otro video del tema "Todo sigue igual", que combina imagenes de la primer época de la banda y del ultimo show en Obras.

Sin embargo, estando pleno exito comercial, los chicos no olvidan sus raices humildes y mantienen bajo el precio de las entradas a sus shows porque dicen conocer en carne propia los limites de su publico.

A mediados del 2000, Pity se retira de la banda y realizan un último recital en La Matanza, sin anunciar que era el último.

«La separación de una banda es como pelearse con una chica con la que estuviste casado diez años: no la aguantás más, pero todavía tenés sentimientos hacia ella. Yo me fui de la banda», comentaba Pity en una entrevista para Página/12 (26/12/2001).

De esta disolución surgen tres bandas: Intoxicados (con Pity y Abel Meyer), Motor Loco (la banda de Fachi) y La Lengua (la banda de Pollo).

En el año 2002 sale un CD recopilación titulado "Sigue Pegando - Grandes Éxitos", el que contiene los más grandes éxitos de Viejas Locas y un tema inédito: "El hombre suburbano", con la participación de Pappo en guitarras. A mediados de 2003 se edita el DVD "Viejas Locas", que contiene un recital grabado en vivo en el estadio Obras y 6 video clips de la banda.

Miembros
Cristian "Pity" Alvarez
"Pollo Toloza"
"Fachi" Crea
Abel Meyer
"Burbujas" Perez
"Peri" Rodriguez
Juancho Carbone

Informacion extraida de www.viejas-locas.com.ar

Invisible - Invisible (1974)

2008-04-23T06:31:00.001-07:00

01 - Jugo de Lucuma
02 - El diluvio y la pasajera
03 - Suspencion
04 - Tema de Elmo Lesto
05 - Azafata del tren fastasma
06 - La llave de mandala
07 - Lo que nos ocupa es la conciencia, esa abuela que regula el mundo

Después de la finalización de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta fundó Invisible junto con Héctor "Pomo" Lorenzo en batería y Carlos Alberto "Machi" Rufino en bajo y voces. Spinetta conocía a estos músicos ya que, entre Almendra y Pescado Rabioso, repartió su tiempo entre grabar un disco solista, tocar el bajo en La Pesada del Rock and Roll y participar en Pappo’s Blues.

La primera presentación de Invisible fue en el Teatro Astral, en noviembre de 1973 y, al año siguiente, editaron el primer simple y el primer álbum titulado Invisible. El grupo se recluyó cada vez más en sus ensayos y abandonó las presentaciones en lugares chicos: sólo aparecían en grandes teatros o estadios, pero nunca en festivales. Tras un largo silencio, anticiparon Durazno Sangrando, editado en 1975, en el Teatro Coliseo. En la placa se destaca el tema homónimo. Un cover de "Amor de primavera", el tema del mítico Tanguito, fue casi la única señal de vida que dio Invisible hasta la aparición de su tercer y último disco. El jardín de los presentes vio la luz en 1976 y fue cuando se incorporó a la banda Tomás Gubitsch, en guitarra. El álbum se transformaría en uno de los mejores del Rock Argentino en su "tercer ciclo" (1976 - 1982) y se caracterizó por la fusión de ritmos y géneros "El jardín de los presentes" obtuvo un éxito masivo inmediato y asomó de entrada como un álbum clásico, plagado de canciones con una belleza inusitada. Si todo disco de Spinetta siempre atesora al menos una canción hermosa, en el caso de "El jardín..." casi todos los temas se acercan a la perfección. Este LP contiene un clásico de esta banda : "El anillo del Capitán Beto". Sobre esta canción Spinetta dijo:

"Me acuerdo de tardes enteras en el bar que estaba al lado del Teatro Astral con Pomo y Machi, cagándonos de risa, pensando en posibles nombres para este astronauta transido por las luchas de las eras... Las eras... Las Heras y Bustamante (...) Yo la nave la veo parecida a la de Volver al futuro, un auto, algo así, que se elava por una ciencia que sólo Beto conoce, y se va... En realidad, no es que Beto quiera volver. Ha conquistado algo impresionante, pero, como todo conquistador, no puede evitar la comparación y la sensación de distancia para con el mundo que dejó atrás."

Informacion extraida de Wikipedia.

El sueño de morfeo - Del interior (2002)

2008-04-22T08:45:00.000-07:00

01 - Busco un sueño
02 - Tras de tí
03 - Tan solo amor
04 - La corniella (instrumental)
05 - La nocha
06 - Al borde
07 - La Victoria (Instrumental)
08 - Me Faltas Tú
09 - Alto en el camino
10 - Tema 10

Fue formado en el año 2002 bajo el nombre de Xemá. Su primer disco salió ese año, titulado "Del interior", no alcanzó demasiado éxito de ventas debido a la nula promoción. Este primer disco fue grabado mientras David, asturiano, y Raquel, canaria, daban clases de música en un colegio cerca de Oviedo.

Tras la incorporación de Juan Luis al grupo en 2003, deciden elegir otro nombre para éste, en el que se pensaron nombres como "Pupitre Azul" y "La hija del caos", finalmente escogieron "El Sueño de Morfeo" y sacaron su segundo disco, titulado con el mismo nombre del grupo. Salió a la luz en 2005 y, gracias a la promoción por parte de su nueva compañía discográfica Globomedia Música, que los llevó incluso a participar en algunos capítulos de la serie de televisión Los Serrano, su primer single Nunca volverá fue un éxito de ventas en España. Se confirmaron definitivamente en las listas con su segundo single, Ojos de cielo.

Su primera gira recorrió más de 100 localidades de la geografía española, con la asistencia total de más de un millón de personas. El grupo llegó a su segundo disco de platino con más de 150.000 copias vendidas de su primer disco. Fueron grupo revelación en el año 2005.

Informacion extraida de Wikipedia.

Invisible - El jardin de los Presentes (1976)

2008-04-22T08:34:00.000-07:00

01 - Alarma entre los angeles
02 - Doscientos años
03 - El anillo del Capitán Beto
04 - Las Golondrinas de la plaza de Mayo
05 - Los Libros de la buena memoria
06 - Niño condenado
07 - La victoria (instrumental)
08 - Ruido de magia

Después de la finalización de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta fundó Invisible junto con Héctor "Pomo" Lorenzo en batería y Carlos Alberto "Machi" Rufino en bajo y voces. Spinetta conocía a estos músicos ya que, entre Almendra y Pescado Rabioso, repartió su tiempo entre grabar un disco solista, tocar el bajo en La Pesada del Rock and Roll y participar en Pappo’s Blues.

La primera presentación de Invisible fue en el Teatro Astral, en noviembre de 1973 y, al año siguiente, editaron el primer simple y el primer álbum titulado Invisible. El grupo se recluyó cada vez más en sus ensayos y abandonó las presentaciones en lugares chicos: sólo aparecían en grandes teatros o estadios, pero nunca en festivales. Tras un largo silencio, anticiparon Durazno Sangrando, editado en 1975, en el Teatro Coliseo. En la placa se destaca el tema homónimo. Un cover de "Amor de primavera", el tema del mítico Tanguito, fue casi la única señal de vida que dio Invisible hasta la aparición de su tercer y último disco. El jardín de los presentes vio la luz en 1976 y fue cuando se incorporó a la banda Tomás Gubitsch, en guitarra. El álbum se transformaría en uno de los mejores del Rock Argentino en su "tercer ciclo" (1976 - 1982) y se caracterizó por la fusión de ritmos y géneros "El jardín de los presentes" obtuvo un éxito masivo inmediato y asomó de entrada como un álbum clásico, plagado de canciones con una belleza inusitada. Si todo disco de Spinetta siempre atesora al menos una canción hermosa, en el caso de "El jardín..." casi todos los temas se acercan a la perfección. Este LP contiene un clásico de esta banda : "El anillo del Capitán Beto". Sobre esta canción Spinetta dijo:

"Me acuerdo de tardes enteras en el bar que estaba al lado del Teatro Astral con Pomo y Machi, cagándonos de risa, pensando en posibles nombres para este astronauta transido por las luchas de las eras... Las eras... Las Heras y Bustamante (...) Yo la nave la veo parecida a la de Volver al futuro, un auto, algo así, que se elava por una ciencia que sólo Beto conoce, y se va... En realidad, no es que Beto quiera volver. Ha conquistado algo impresionante, pero, como todo conquistador, no puede evitar la comparación y la sensación de distancia para con el mundo que dejó atrás."

Informacion extraida de Wikipedia.

Ravi Shankar - Ragas & Talas (2000)

2008-04-22T07:55:00.000-07:00

01 - Raga Jogiya
02 - Duhn
03 - Rupak Tal
04 - Ragamadhu-Kauns

Ravi Shankar (nacido el 7 de abril, 1920 en Benarés, Uttar Pradesh, India) es un músico bengalí conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Se le conoce con los títulos honoríficos de Pandit o Sri sri Ravi Shankar

Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto fue hecho por su asociación con The Beatles así como por su carisma personal. Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.

Ravi Shankar es el padre de la cantante estadounidense Norah Jones

Su casa ancestral es hoy en día Kalia Upozila en el Distrito Narail, Jessore, Bangladesh. El nombre de su madre era Hemanginee, y su hermano mayor Uday Shankar era un bailarín famoso hindú clásico. De adolescente Ravi tocó el sitar con la compañía de baile de Uday Shankar, más notablemente con Anna Pavlova en la Unión Soviética.Amen de su virtuosismo, logro influenciar increíblemente la música occidental abriendo así las puertas de la percepción.

Informacion extraida de Wikipedia.

Fade To Bluegrass (2006)

2008-04-22T07:44:00.000-07:00

01 - Enter sandman
02 - Fade to black
03 - Fuel
04 - Hero Of The Day
05 - Nothing else matters
06 - One
07 - Ride the lighting
08 - The four horsemen
09 - The unforgiven
10 - Wherever I may roam

Fade to bluegrass es un tributo a Metallica realizado en música country.

Ron Esteche Ensemble - Beatle Instrumental Jazz Tribute

2008-04-22T07:27:00.000-07:00

01 - Yesterday
02 - And I Love Her
03 - Penny Lane
04 - Blackbird
05 - Can't Buy My Love
06 - She's Leaving Home
07 - Ticket to Ride
08 - Michelle
09 - When I'm Sixty-Four
10 - Norwegian Wood

Exelente disco de covers de los beatles en formato jazz instrumental realizado por Ron Esteche Ensemble. Espero que lo disfruten.